Geen onderdeel van een categorie

Dit interview is geparafraseerd voor consistentie en duidelijkheid. Je kunt het volledige interview met Jay Hardway hier beluisteren!

Welkom, Jay! Hoe gaat het met je?

Jay: Het gaat goed!

Joey: Er zijn waarschijnlijk niet veel mensen die je nog niet kennen, maar kun je ons iets meer vertellen over hoe je bent begonnen? Je hebt al gezegd dat je bent begonnen met DJ-en op houseparty’s, bruiloften en dat soort dingen.

Jay: Ik begon muziek te maken toen ik 14 was. In die tijd was het gewoon een hobby en iets waar ik al van hield. Ik was al bekend met de plaatselijke DJ’s en vroeg altijd naar hun apparatuur. Toen stelde een vriend van me zijn DJ-set voor en oefende ik met hem. Hij was DJ bij een hockeyclub. Daarna begon ik met feesten voor vrienden, bruiloften en bars. Ik deed dat min of meer stabiel, maar het ging nergens heen totdat ik zes jaar geleden mijn eerste hit kreeg.

Joey: Wanneer realiseerde je je dat dit een carrière zou kunnen zijn?

Jay: Ik was 14 of 15 toen ik Fruity Loops ontdekte en leerde hoe ik melodieën moest maken. Toen, rond mijn 18e of 19e, dacht ik dat ik talent had.

Joey: Wat was de reactie van je familie of vrienden toen je daarmee begon?

Jay: Ze waren erg geïrriteerd omdat ik ze muziek liet horen waarvan ik dacht dat ik erg goed was, maar als je muziek of iets creatiefs begint te maken, denk je dat je uitmuntend bent en geloof je dat alles wat je maakt goed klinkt omdat jij het gemaakt hebt en het nieuw is. Maar dan bereik je een punt waarop het is alsof ik helemaal niet goed ben. Volgens mij heet het ‘Mount Stupid’ of zoiets: je gaat helemaal naar beneden en bouwt langzaam je kwaliteit op en wordt beter. Ik denk dat het moment voor mij was toen ik mijn eerste studiomonitoren kocht. De melodieën waren er al, maar het geluid en de andere dingen waren verschrikkelijk. Ik realiseerde me toen dat ik talent had, maar dat ik nog veel werk moest verzetten.

Joey: Je zei dat je veel tijd in de studio hebt doorgebracht. Hoe heb je je vaardigheden ontwikkeld? Ben je naar school geweest?

Jay: Nee, ik heb veel youtube tutorials bekeken en ben er zelf achter gekomen. Ik had vooral plezier en maakte dingen die ik wilde maken. Ik hoorde een nummer van Chuckie en probeerde het na te spelen, maar het klonk er helemaal niet naar. Elke keer dat je een nieuw project doet, leer je een nieuwe vaardigheid, vind je een uniek geluid of een manier om je kicks beter te laten klinken. Met honderden projecten word je na een tijdje gewoon steeds beter. En er is een punt waarop je begint te horen of je nummer goed genoeg is.

Dat is interessant. Hoe hoor je dat? Kun je het uitleggen?

Het is moeilijk. Ik heb het gevoel dat ik dit niet altijd heb, want soms vind ik iets goed klinken terwijl iedereen het haat. Er zal dus altijd iets met smaak zijn. Het is ook leuk om als DJ je track uit te testen en de reactie in de club te zien. Het is puur ervaring als het gaat om het kennen van een goede melodie of basislijn, maar je moet het ook uitproberen.

Joey: Het is bizar, want ik praat met veel artiesten, zoals muziekproducenten en DJ’s, en die vraag komt steeds terug: hoe weet je wanneer je nummer af is?

Jay: Oh, het is nooit af, denk ik.

Joey: Maar hoe bepaal je het moment waarop het allemaal klaar is?

Jay: Ik denk dat je met een label of je manager moet praten en moet besluiten ‘dit is het’.

Joey: Dus je gebruikt ook andere mensen om beslissingen te nemen?

Zoiets. Als producer is je track nooit af. Je hebt altijd wel wat dingen die je nog wilt doen. Bijvoorbeeld hoge hoeden polijsten, FX toevoegen, enz. Er zullen altijd dingen zijn die je wilt veranderen. Omwille van je releaseschema moet je soms zeggen: “oké, de baby verlaat nu het nest” haha.

Joey: Hoe deed je dat voordat je een label of manager had? Welke mensen heb je bereikt?

Forums. Ik zou posten op het Laidback Luke forum. Hij gaf zelf feedback, wat nuttig was omdat er technisch gezien enkele tips waren, maar hij gaf ons ook vooral zijn mening. Vroeger was het een hotspot van mensen, als een kleine gemeenschap. Ook het Vato Gonzalez forum was erg goed. We ontmoetten elkaar op Dancefair met mensen van het Vato forum, en het was een coole en kleine gemeenschap. Ik weet niet of er nu zo’n gemeenschap is. Het lijkt individueler.

Joey: Er zijn zeker nog een paar pagina’s – vooral Facebookgroepen. Ik heb er zelf een waar 1000 producenten met elkaar praten en feedback geven. Ik denk dat het verschoven is van een forum op je website naar sociale media.

Jay: Je moet accepteren dat het nooit af zal zijn. Ik weet nog dat ik mijn track Electric Elephants naar Martin Garrix stuurde en hij zei: “Ik vind de drop maar niks.” Het raakte me echt en ik probeerde het te veranderen en met nieuwe dingen te komen, maar besloot het zo te houden. Het werd een groot succes. Dus je kunt het niet iedereen naar de zin maken; er zullen altijd mensen zijn die sommige dingen in je track niet leuk vinden.

Joey: Dat is het met muziek. Het is kunst. Ik kan naar de Mona Lisa kijken en zeggen: “Ik vind hem niet mooi”, maar op de een of andere manier is hij nog steeds miljoenen dollars waard. Er is een belangrijke persoonlijke mening betrokken bij de hele zaak. Dat is altijd heel interessant, want als je om feedback vraagt, krijg je hun persoonlijke mening en geen feedback.

Jay: Dat is belangrijk, maar ik denk ook dat met feedback, je weet dat je goede feedback krijgt als je een hekel hebt aan wat de persoon zegt omdat je wist dat ze gelijk hadden. Ik merkte dit zelfs bij de A&R van Spinnin. Ik stuurde een nummer en hij kwam terug met “ja, ik vind het goed, maar….” en dan is alles wat hij zegt waar, maar je haat het omdat je het soms niet aan jezelf wilt toegeven. Het is essentieel om echt eerlijke mensen te hebben.

Er zijn zeker artiesten die alles doen zoals ze willen en succes hebben, maar ik weet niet of je dat kunt doen in de dj- of EDM-scene; je wilt tracks die altijd in de smaak vallen bij het publiek.

Joey: Het is een evenwicht in die zin dat je ook een publiek moet behagen, maar tegelijkertijd wil je jezelf als artiest vertegenwoordigen. Het is een compromis.

Jay: Het is een grijs gebied omdat het artistiek is, dus je moet het niet commerciëler maken, maar tegelijkertijd is het een bedrijf.

Soms moet je zeggen: “Ik ga dit nummer op deze manier doen.” Je moet ook onthouden dat je jezelf altijd uitdrukt, en zelfs als er één levenslange fan is door die track, is dat een overwinning. Als de rest het niets vindt, heb je de maand erna een nieuw record.

Joey: Wat vind je van het vrijgekomen bedrag? Zei je één keer per maand? Het is de laatste jaren veranderd.

Ja, het is waanzinnig stressvol. Je zet jezelf onder druk; je fans zetten je onder druk. Telkens als je een nummer uitbrengt, vragen mensen “wanneer komt er nieuwe muziek?”. Ik bedoel, je kunt ervoor kiezen om dat niet te doen. Je kunt besluiten om twee nummers per jaar uit te brengen, maar ik denk dat je het moeilijk gaat krijgen om boekingen te krijgen.

Dat is het juist. Promoters hebben munitie nodig om kaartjes te verkopen. Je voelt druk van fans, van promoters – misschien begint je manager je ook onder druk te zetten omdat hij je ook moet verkopen. En je zet jezelf onder druk omdat je muziek wilt uitbrengen als een creatieve artiest. Dat zal altijd moeilijk zijn en een strijd om het volgende grote ding te krijgen.

Jay: Het leuke aan muziek maken is dat je nooit weet wat het volgende grote ding wordt.

Joey: Wat is volgens jou je bekendste nummer?

Jay: ‘Wizard’ met Martin Garrix is mijn grootste hit. Ik verwachtte het omdat Martin al groot was. Martin bracht Animals uit en vlak daarna kwam Wizard. Maar persoonlijk denk ik dat Electric Elephants degene is geweest waarbij de industrie zag, ‘oh deze man is legitiem; hij kan ook produceren’. Dat is een belangrijkere prestatie voor mij, want dat heeft me op de kaart gezet.

Joey: Had je verwacht dat de baan zo groot zou worden?

Nee, helemaal niet.

Dat is het leuke. Je zit gewoon in de studio iets te maken wat je leuk vindt. Je vindt er een label voor, het wordt uitgebracht en je hebt geen idee wat er gaat gebeuren. Ik denk dat dat het mooie is van muziek tegenwoordig, vooral met het internet, je weet nooit waar het terecht komt. Soms belandt het in de Indonesische hitlijsten en dan vraag je je af hoe het daar terecht is gekomen.

Ja, het is gek hoe het werkt. Ik weet nog dat ik het naar een paar DJ’s stuurde en zij zeiden: “Het is geweldig,” en het label stuurde het rond en het kreeg zoveel goede feedback. Dat gebeurt vaak. En als ze het beginnen te spelen in Ultra en Tomorrowland, is dat anders en weet je dat het een andere tractie krijgt.

Joey: Heb je een idee wat die track speciaal maakt?

Jay: Het is toegankelijk. De eerste keer dat je het hoort, is het al makkelijk om naar te luisteren. Het is een makkelijke melodie maar heeft ook een ander geluid. Het is anders en gemakkelijk toegankelijk.

Joey: Je noemde de samenwerking met Martin Garrix. Kun je iets meer vertellen over hoe dat gebeurde?

Ja, we kennen elkaar al heel lang. We waren vrienden voordat we allebei grote optredens kregen. Hij produceerde toen hij 14 jaar oud was en ik ontmoette hem op het Vato forum. We werkten de volgende jaren samen en werden vrienden. Toen alles eenmaal ontplofte, werd hij getekend bij Spinnin Records en Animals kwam. Niemand verwachtte het succes van Animals. En toen kwam Wizard. Dus letterlijk de zomer van Dieren, vlak daarvoor, bezorgde ik nog steeds barbecues. Een half jaar later tour ik over de hele wereld.

Joey: Dus die track zette je internationaal op de kaart en bezorgde je de optredens en financiële arbitrage.

Ja, in een hele snelle tijd. Het voelde alsof ik van de ene op de andere dag DJ was in een kleine bar in mijn woonplaats en DJ in Vegas.

Joey: In het begin, toen die internationale optredens binnenkwamen, werd je toen samen met Martin Garrix geboekt, of onder je eigen naam?

Jay: Nou, ik heb getekend bij Ace Agency en zij waren erg slim met hun tactiek. Ik werd getekend rond de tijd van de baan.

Joey: Dus Wizard heeft je ook op de kaart gezet in de industrie.

Juist, en Martin was erg lovend over mij. Hij zorgde ervoor dat Ace Agency tekende en zorgde ervoor dat Spinnin mij tekende. Hij duwde me echt vooruit. Het was echt cool om een vriend dat te zien doen.

Maar de manier waarop Ace Agency het deed was geniaal omdat ze zeiden: “Hé, je hebt Martin Garrix geboekt, wil je Jay Hardway ook boeken?” Dus ik had mijn eigen fee en mijn eigen naam, en natuurlijk werd ik gepresenteerd toen Martin Garrix werd geboekt, maar als een aparte artiest. Niet zoals een package deal, want als je een package deal doet, weet je niet welke prijs je waard bent. En nu wisten we dat Jay Hardway in die markt X waard is. We kunnen die markt echt uitbouwen.

Ik wist niet dat dat het begin was. Ik dacht dat je daarvoor een hele carrière had.

Nou, een carrière in barbecues! Ik maakte veel muziek, maar bracht het nog niet uit. Ik had al een contract bij Universal Publishing, maar Wizard was echt mijn lancering. Toen was het voor mij de druk om door te gaan.

Joey: Hoe ging je om met die druk?

Jay: Het was veel onzekerheid in het begin omdat ik wist dat ik muziek kon maken, maar ik wist niet hoe ik iemand anders moest overtuigen dat ik ook muziek kon maken omdat ze dachten dat ik alleen hits uitbracht met Garrix. Dus het kostte me een paar maanden. Ik denk dat Wizard is uitgebracht in oktober 2013, en ik heb er tot maart over gedaan om Bootcamp uit te brengen. Dat was mijn eerste solosingle, maar hij deed het erg goed, dus het bracht me weer wat hype.

Joey: Ik kan me voorstellen dat dat moeilijk is. Het is geweldig dat je zo’n kickstart van je carrière hebt, maar tegelijkertijd denkt het publiek misschien dat je ‘Robin’ van ‘Batman’ bent, en nu voel je de stress om te bewijzen dat je geen Robin bent – je bent Superman.

Jay: Ik probeerde dat idee los te laten. Ik was ook een beetje ouder dan Martin – Martin was ongeveer 16, en ik was ongeveer 22. Ik had dus al meer levenservaring dat ik minder onder de indruk zou zijn van dat idee. Ik ging gewoon mijn eigen ding doen en als mensen me boekten vanwege Garrix, dan geweldig, en als ze begonnen te zien dat ik mijn eigen muziek maak, dat is geweldig. Maar ik heb nooit echt geprobeerd te veel na te denken. De druk kwam vooral van mezelf.

Joey: Ik denk dat dat je kracht is. We hebben elkaar nooit eerder gesproken en wat ik uit je verhalen kan opmaken is dat je je bewust bent van de dingen die gebeuren in je leven en je carrière. Ik denk dat dat een grote kracht is.

Jay: Ja, ik denk dat het echt belangrijk is. We zien veel artiesten die marionetten zijn en het kan ze niet echt schelen. Dat heb ik nooit gedaan. Het is ook cruciaal om bewust met je gezondheid om te gaan.

Joey: Is dat nog steeds iets waar je aan denkt als je toert? Doe je veel lange tours, dus tours van twee weken?

Jay: Nee, niet zoveel. Ik geef de voorkeur aan één, misschien twee weekenden en dat is het dan. Twee weken is een lange tijd voor mij om van huis weg te zijn. De VS is niet zo’n grote markt voor mij, dus het is meestal één weekend. In China doe ik soms twee weken omdat er twee weekenden aan verbonden zijn, maar meestal is het gewoon een apart weekend met twee shows. In de zomer kun je een aantal shows midden in de week hebben.

Joey: Wat is op dit moment de grootste markt voor jou? Azië?

Jay: Azië is groot, maar dat is tegenwoordig moeilijk te zeggen.

Is Europa nog steeds een ding?

Jay: Ja. Aan de ene kant zeggen promotors dat EDM dood is, en ja, het is moeilijk om EDM-acts te boeken. Aan de andere kant kun je shows doen en mensen worden gek van het commerciële spul. Je begint je af te vragen of EDM echt dood is. Ik was bij een straatparade in Zürich, en die vent begint met Techno, en dan begint een andere DJ commerciële dingen te draaien. Meteen begonnen mensen gekker te worden. Dus mensen zeggen dat ze niet van EDM houden, maar dat doen ze anders wel. Ze houden nog steeds van commerciële dingen.

Joey: Ja, alsof zeggen dat je underground bent “interessanter” is, maar veel mensen zijn commercieel. Het is de beslissing die je als artiest neemt. Wat ga je volgen? Wil je de menigte plezieren? Promotor? Wat is de balans in dat hele verhaal?

Jay: Nou, het bevalt de promotor om kaartjes te verkopen. Als jij je kaartjes verkoopt, is de promotor waarschijnlijk blij. Zo is het eigenlijk. Ik heb een aantal keren gehad dat ze mijn set geweldig vonden en we hadden een leuke tijd en een etentje, maar uiteindelijk gaat het ze veel meer om het geld.

Joey: Maar laten we zeggen dat je een evenement hebt georganiseerd. Je boekt je favoriete artiest voor waarschijnlijk een krankzinnig bedrag. Je plant de artiest in, het is geen privéfeest, het is een commercieel feest, en er komen tien mensen. Je krijgt 100 euro aan inkomsten en dat is het. Ik zou gek worden – wie niet?

Jay: Ja, dat is wat je je altijd moet realiseren als DJ. Je hoeft geen commerciële jongen te zijn, maar je moet accepteren dat als je geen commercieel tintje aan je set toevoegt, je misschien minder shows zult geven of minder kaartjes zult verkopen. Dat is ook goed – maar als je een grote mainstage wilt, moet je beginnen met kaartjes verkopen.

Iedereen heeft altijd zoiets van, Timmy Trumpet kwam uit het niets en nu is hij groot. Maar ik herinner me dat ik de headliner was van een show en hij was de tweede headliner. Maar hij had deze merch en zijn opblaastrompetten – sindsdien is hij blijven bouwen en heeft hij keihard gewerkt. Nu doet hij het hoofdpodium. Mensen zien niet wat er achter de schermen gebeurt.

Joey: Je zei dat je veel uren in de studio hebt doorgebracht en er is een gezegde dat zegt dat je na 10.000 uur een pro bent. Mensen vergeten ook dat mensen alles hebben meegemaakt – ze hebben dezelfde periode meegemaakt.

Jay: Ik krijg demo’s van mensen die zeggen “hey, het is nog niet gemastered” en dan denk ik altijd van ‘oké, daar heb je er weer zo een’.

Joey: Wat dacht je op dat moment?

Jay: Nou, het is alsof je zegt: “Het is niet goed genoeg, maar ik stuur het je toch”. Waarom maak je het niet af? Als het niet gemasterd is, is dat eigenlijk een excuus dat het niet goed klinkt.

Wat ook frustrerend is aan het zijn van een creatieve artiest, is dat je er uren en uren in steekt, maar dat het dan lijkt alsof niemand het wil hebben en je er niets mee kunt doen. Je zou het naar je moeder kunnen sturen en ze zou het leuk vinden, maar dat is zo veel verspilde uren. Daar moet je mee leren leven.

Nou, ik denk dat dat veranderd is. Wij komen uit een tijd waarin dat ook echt gebeurde. Als je niet bij een label kon tekenen, was je de lul. Maar op dit moment kan iedereen posten op Tunecore of Distrokid en voor 10 dollar zetten ze je muziek op Spotify of iTunes. Op dit moment, als een label het niet wil, kun je nog steeds zeggen: fuck it, laat mij het zelf doen. Laten we contact opnemen met een paar eigenaars van afspeellijsten en kijken of ik het kan promoten of naar een paar DJ’s kan sturen. Dan kom je weer terug bij het kunstaspect ervan – er zijn altijd mensen die het wel of niet leuk vinden. Ik denk dat er op dit moment een groot voordeel is voor aspirant-kunstenaars. Ze vertrouwen niet meer op derden. Het label of de manager heeft niet meer de leiding, jij hebt de leiding. Het ligt er maar net aan hoeveel werk je steekt in het promoten van jezelf.

Jay: Het is hard werken, dus daarom betaal je in eerste instantie de helft van de royalty’s voor de tracks aan de labels.

Joey: Labels kunnen nog steeds superhandig zijn, maar alleen als je tekent bij een label met dat bereik zoals Spinnin of Revealed – dat zijn allemaal labels die de aandacht van hun fanbase hebben. Je hebt ook een label nodig dat overeenkomt met de kwaliteit.

Jay: Ik denk dat het altijd gevaarlijk is voor jezelf en je eigen merk als je iets online zet. Ik had altijd het gevoel dat als mijn nummer niet goed genoeg was voor mijn label, het misschien niet goed genoeg was voor mijn markt. Dus kwam ik terug met een plaat waarvan meer mensen van labels zeiden: ja, het is goed genoeg. Het is een soort kwaliteitscontrole. Maar het is ook een balans.

Joey: Het is een kritische vraag. Net als een promotor zit het label in de geldbusiness. Dus als ze naar een nummer luisteren dat AKA “underground” is, is dat nauwelijks te verkopen. Maar tegelijkertijd kan het ook betekenen dat het anders is en dat het de volgende ‘Animals’ zou kunnen zijn. Het zou het normale kunnen doorbreken. Veilig uitbrengen betekent dat je de resultaten kunt verwachten, maar tracks uitbrengen die het normale doorbreken kan je meer succes opleveren. Als artiest moet je je altijd afvragen als een label het afwijst: is het een slechte track of zien ze op dit moment geen geld?

Jay: Dat is heel moeilijk; zo moeilijk zal het altijd zijn. Maar het is ook cool omdat je nooit weet hoe een nummer het uiteindelijk zal doen.

Joey: Ben je het eens met de stelling dat je net zo goed bent als je laatste release?

Jay: Ik zou zeggen dat je misschien net zo goed bent als je slechtste release. Maar nogmaals, wat is een goede release? Is het een miljoen plays of een track waarvan mensen echt opnieuw denken hoe de track hen emotioneel raakt, maar die slechts 50.000 streams heeft. Welke is beter? Ik denk dat het ook een moeilijke tijd is als het gaat om hits.

Joey: Ik hoorde een paar weken geleden iets wat nogal verbijsterend was. Iemand zei: “Denk je niet dat mensen bij artiesten alleen de hits onthouden?” Laten we zeggen dat je 10-15 nummers per jaar uitbrengt. Wat als je de volgende Animals uitbrengt, die je door een wereldwijde #1 status bracht. Denk je dat mensen zich zouden bekommeren om die andere releases?

Ja, nee. Dat is een uitstekend punt.

Op dit moment worden zelfs de slechtste nummers op aarde uitgebracht. Het is dus toegankelijker voor oude opzoeksporen. Mijn eerste remix was bijvoorbeeld verschrikkelijk. Maar je kunt het nog steeds online vinden. Is dat slecht? Of plaatst dat ding de dingen nog steeds in perspectief? Alsof mensen kunnen zien hoe je vooruit bent gegaan.

Ja, er staan nog steeds tracks op SoundCloud die niet zo goed klinken. Maar nu kunnen mensen zien hoe ver ik ben gekomen.

Joey: Ik denk dat het feit dat je een track record van releases hebt mensen inzicht geeft in hoeveel werk je in dit project hebt gestoken. Het is niet zo dat je één nummer hebt uitgebracht en je carrière is gemaakt. Het is je cv.

Jay: Maar toch, als ik een nummer 1 hit zou scoren, zouden mensen kunnen zeggen dat ik uit het niets kwam. En dat is niet waar.

Joey: Ja, ik denk dat inzicht wat stress opzij moet schuiven omdat het er niet echt toe doet. Het enige dat telt is of je de baan leuk vindt. Als het niet lukt, jammer dan en ga verder met de volgende. Maar elke release zal je een vorm van succes brengen; het kan één persoon zijn die beïnvloed is door die track, of een miljoen streams.

Jay: Ja, ik denk dat muziek maken altijd stressvol is. Vooral als je in de studio bent en geen inspiratie hebt, kan dat frustrerend zijn. Ik denk dat elke creatieveling een moment heeft dat je meemaakt na elk project dat je hebt afgerond.

Dat hele ding is een hersenspelletje. In een creatieve blokkade ben je je ergste vijand. Het is niet zo dat mensen zeggen dat die acht maatregelen die je produceert niet goed zijn. Wat als 2 miljoen mensen op deze planeet er anders over denken? Het is een constant gevecht met jezelf.

Jay: Het is iets waar je ook mee te maken krijgt. Als artiest moet je jezelf kwetsbaar opstellen. Als mensen commentaar geven op je track, voelt dat soms als een persoonlijke aanval. Je moet altijd goed nadenken.

Joey: Is dat iets waar je mee om hebt leren gaan?

Jay: Ik heb zeker geleerd om dat onder controle te houden. Naarmate je ouder wordt, kom je meer slechte dingen tegen over de industrie of slechte ervaringen op tournee. Het is belangrijk om je te realiseren wat er aan de hand is. Ik denk dat je zeker begeleiding nodig hebt van mensen om je heen. Maar je hebt mensen nodig die met beide benen op de grond staan en je vertellen: “Hé, het is normaal dat je dit meemaakt.” Na een paar stressvolle periodes leer je dat dit bij het leven hoort.

Joey: Als je terugkijkt op je carrière, wat zou je dan anders hebben gedaan?

Jay: Ik denk niet dat ik iets anders zou hebben gedaan, want ik heb het gevoel dat alles op zo’n manier is gebeurd dat het me heeft gebracht waar ik nu ben. Natuurlijk had ik wat conflicten met managers en labels, en zou ik dingen anders doen, maar ik heb nog steeds het gevoel dat dat voor mij had moeten gebeuren om het te begrijpen. Soms moet je fouten maken om echt te weten waarom je het doet. Zoals je al eerder zei, je kunt niets uit een boek leren omdat je het zelf moet ervaren.

Joey: Nou, ik wil je bedanken dat je de tijd hebt genomen om hier te komen en je kennis te delen!

Jay: Bedankt dat ik mocht komen!

Dit interview is geparafraseerd voor consistentie en duidelijkheid. Je kunt het volledige interview met Alvaro beluisteren!

Hé Jasper, hoe gaat het?

Hé Joey, het gaat goed!

Joey: Waar is je studio gevestigd? Bij jou thuis?

Alvaro: Nee, dit is in een houten fabriek. Buiten zijn ze hout aan het hakken en zo. Af en toe haat ik ze. Maar mijn volume gaat harder. Dus je verslaat ze.

Joey: Om het publiek wat context te geven over wie je bent, wie is Alvaro?

Alvaro: Nou, ik was vroeger een DJ en ik ben nog steeds een producer. Ik denk dat de meeste mensen me kennen van mijn big room sound. Het eerste grote nummer dat ik maakte was ‘Make the Crowd Go’. Ik denk dat de op één na grootste ‘Welcome to the Jungle’ was, die werd uitgebracht op Revealed met Hardwell. Eigenlijk waren al mijn liedjes big room.

Joey: Je zei al dat je DJ was en dat er iets veranderde. Wanneer ben je gestopt? Ben je helemaal klaar?

Alvaro: Nou, ik heb misschien al twee jaar niet gespeeld.

Joey: En dat was een bewuste keuze om te stoppen met spelen?

Alvaro: Nou, niet meteen. Je moet teruggaan naar het begin, toen ik begon met DJ-en en de wereld rondreisde. Op een gegeven moment werd de hele scène in de grote zaal zo repetitief, en er waren veel mensen die meededen, waardoor het geheel een beetje verzadigd raakte.

Hebben we het over 2012,13?

Alvaro: Ja, ik denk dat het later was toen EDM begon. 2015 misschien. Veel mensen stopten. Maar op dat moment was het een hele combinatie van dingen. Ik speelde al vijf jaar en vond het niet echt leuk. Ik wilde ook iets anders doen.

Dus toen Spotify opkwam, begon ik popmuziek te produceren en stopte ik met DJ-en. Want voor mij had het geen zin meer om te DJ-en. Ik had een paar vrienden die tegen me zeiden, ja, je zou wat shows moeten doen, zodat mensen weten dat je er nog steeds bent. En ik had zoiets van, “Ja, maar wat is het punt?” Als ik daar ga spelen, terwijl ik geen muziek uitbreng, loopt mijn carrière toch al ten einde. Laat me gewoon meteen beginnen met produceren en geen tijd verspillen aan shows die er niet toe doen. Ik had ook geld van al die jaren dat ik speelde – een buffer waar ik wat vrije tijd aan kon besteden. Dus eigenlijk heb ik mijn manager gezegd geen boekingen meer te accepteren.

Joey: Dus zo is het altijd gebleven.

Alvaro: Ja, ik ben een hele nieuwe richting ingeslagen. Het voelde alsof ik helemaal opnieuw begon, wat best cool was.

Waarom voelde je je zo?

Alvaro: Ten eerste is het een heel nieuw genre. Je moet popmuziek of commerciële muziek maken, wat totaal anders is dan EDM. EDM is iets eenvoudiger. Ik herinner me dat ik met een vriend van me begon en tien commerciële nummers produceerde. Zelfs toen had ik het gevoel dat we nog niet goed genoeg waren. Als je overschakelt op popsongs, ga je concurreren met de muziek van Katy Perry en Rihanna. De productiekwaliteit moet over de top zijn. Het moet perfect zijn.

Joey: Dacht je op dat moment dat je productiekwaliteit op een hoog niveau stond?

Alvaro: Nee, want het is ook een probleem van de producent. Je vindt het nooit goed genoeg.

Joey: Dus zelfs met meerdere succesvolle releases, een samenwerking met Hardwell, nu al op wereldtournee?

Alvaro: Ja, maar dat was anders. Het voelde alsof ik op een ander terrein was, een heel ander veld. Daarom vond ik het niet meteen goed. Het is hetzelfde als opnieuw beginnen met produceren. Je moet een paar jaar de tijd nemen om er tenminste goed in te worden.

Joey: Was je aan het einde van je EDM-carrière tevreden met het resultaat van je tracks? Of nog steeds onzeker over hoe het klonk?

Alvaro: Dat is een goede vraag. Eigenlijk vond ik EDM-tracks verschrikkelijk. Zelfs mijn eigen liedjes. Ik vind ze nog steeds leuk en begrijp waarom ze werken. Ik vind ze cool, maar ik hield niet van de druk die mensen van me verwachtten om hetzelfde te doen. Dus begon ik andere dingen te maken. En op dat moment leek het wel of elke artiest met een big room song kwam. Ik werd depressief van alles wat ik hoorde. Ik realiseerde me dat het niet ging werken.

Joey: Dus je ging over op popmuziek?

Alvaro: Ja, en dat was een hele nieuwe uitdaging omdat er andere technieken en arrangementen bij kwamen kijken.

Ja, alles van songwriting tot het arrangement en het gebruik van akkoorden en melodieën. Het is een heel nieuw leven. Je kunt bijvoorbeeld een heel groot bigroomnummer hebben met de juiste drop, maar als de break een beetje raar is, maakt het niet zoveel uit. De daling is waar mensen op wachten. Bij een popsong moet alles perfect zijn. Van de hi-hats tot de snares, de kickdrum en het algehele gevoel van het nummer. Alles moet perfect zijn.

Joey: Dus dat is een enorm verschil. Waar worstelde je het meest mee in het begin?

Alvaro: Ik denk de productiekwaliteit. Ik heb een paar goede popsongs gemaakt, maar ik kon het verschil horen tussen andere popsongs, en dat is alleen al in de productiekwaliteit. Dat is wat ik eerder zei, zoals, als je nu trap doet en je hebt het nooit gemaakt, dan hoor ik dat je een andere trap producer bent. Je hebt dezelfde kick en snare, maar het voelt niet zo aan. Zo hoor je het verschil tussen jongens die al tien jaar trap maken. Dus ik wist dat iedereen een melodie met vier akkoorden kon spelen, de meest basale popakkoorden ooit, maar dat maakte het nog geen goed nummer. Op dat moment wist ik dat de productiekwaliteit de reden was waarom sommige nummers voor mij niet goed klonken. De eerste stap was dus om de kwaliteit te verbeteren. Ik wilde popmuziek maken, maar ik wilde niet klinken als een algemeen popliedje. Mijn uiteindelijke doel was om het een beetje speciaal te maken, het vreemd te maken, het anders te maken. En dat is een beetje hoe we zijn begonnen en waar we nu staan.

Joey: Wat deed je specifiek om de kwaliteit van je muziek te verbeteren?

Alvaro: Ik heb het gevoel dat popmuziek draait om kleine details. Het is hetzelfde als je oude nummers terugluistert, je hoort veel dingen die ontbreken. Het klinkt zo leeg, het is alleen maar een kickdrum en een snare. En dat is eigenlijk hetzelfde wat er met mij gebeurde; we begonnen die liedjes te maken, maar ze waren super leeg; ze hadden geen lichaam. Dus uiteindelijk kwam ik erachter dat we er veel details aan moesten toevoegen, zoals ambient en extra melodieën.

Joey: Was dat meer een proces van vallen en opstaan, of was dat leren van YouTube-tutorials?

Alvaro: Nou, vooral luisteren naar andere liedjes, denk ik. Ik denk dat er eigenlijk geen handleiding is die je vertelt hoe je popliedjes moet maken.

Joey: Maar je wist al hoe je muziek moest maken.

Alvaro: Ja, ik herinner me dat toen we drie jaar geleden begonnen, we deze vocale chop vonden. Iedereen deed in die tijd aan vocal chops, bijvoorbeeld Kygo. En toen herinnerde ik me dat ik het liedje van Lauv hoorde. En het klonk voor mij als een viool of zoiets, maar het was eigenlijk zijn stem. Dat triggerde me echt. Dit is iets nieuws, toch? We moeten dit gaan doen in plaats van de basis vocale chops die iedereen doet. Dus op een bepaalde manier raakte ik echt geïnspireerd door alle nummers die opkwamen. Dus begonnen we met de vocale chops, maar dan meer organisch. Organische geluiden werden echt belangrijk. Ik wilde niet klinken als de standaard Nexus-geluiden. We begonnen ook nieuwe geluiden te laten klinken alsof ze oud waren. Zoals het verlagen van de kwaliteit en het toevoegen van wat flutter zoals een wobble ertussen om ze te laten klinken als een 80’s synth.

Joey: Wat voor plugins heb je daarvoor gebruikt?

Alvaro: Nou, het is grappig hoe je plugins ontdekt. En een jaar later zie je dat iedereen het gebruikt. Op dat moment was het een manipulator.

Ik heb ervan gehoord. Maar welke is het?

Alvaro: Het is van die Infected Mushroom jongens. In principe is het gewoon een pitcher met formantknoppen. We begonnen het te gebruiken voor vocale chops. Ik zong een melodie in een microfoon en formatteerde het dan en Melodyne het. Eigenlijk begon ik meer aan sound design te doen. Als je tegenwoordig naar popsongs luistert, denk ik dat het veel sound design is.

Joey: Ik ben het ermee eens dat de combinatie van organische en digitaal gecreëerde muziek op dit moment erg belangrijk is.

Alvaro: Dat is het grappige met muziek in het algemeen, maar ook met popmuziek. Het is altijd in ontwikkeling. Ik herinner me het eerste nummer dat ik hoorde van Afrojack, Pon De Floor, het was dezelfde vocale chop maar dan uitgerekt. En toen begon Skrillex dat te doen. Het verschil was dat iemand de melodie zong. In plaats van de melodie te programmeren, begon iemand de melodie te zingen. Dat maakt het zoveel organischer omdat ik het gevoel heb dat een stem het beste instrument is omdat het nooit perfect is. Het klinkt zo natuurlijk voor mensen om naar te luisteren.

Joey: Het belangrijkste is om iedereen voor te blijven.

Alvaro: We hadden een super poppy nummer met kalimbas erin. Tegenwoordig zou je al moe zijn als je nog een nummer met een Kalimba hoorde. Wij waren de eersten die dat deden, nog voor Ed Sheeren het deed met ‘Shape of You’. En ik denk dat de beat een soort Afrobeat was. Het is nooit uitgebracht. Dat is het grappige. Er stond een zanger op die van een ander nummer was. Ik verhoogde de snelheid omdat het nieuwe commerciële project een hogere BPM had, en op de een of andere manier klonk hij als Post Malone. Dus ik dacht, laten we het naar Diplo sturen. Kijken wat hij denkt, toch? Dus we stuurden hem het nummer en hij had zoiets van “dit is dope!”. Misschien krijg ik Post Malone wel mee. En we hadden zoiets van, oké, nou, ik denk dat de muziek nu goed genoeg is.

Joey: Dat vind ik ook interessant. Hoe heb je besloten, oké, nu is mijn muziek goed genoeg? Had je bevestiging nodig van iemand anders?

Alvaro: Nee, ik denk dat het uiteindelijk mijn manager was die die beslissing nam of ik. Ik kende Diplo al eerder, ik wist wat hij leuk vond en ik denk dat ik goed ben in het weten hoe iemand anders denkt of wat ze willen. Dus op dat moment dachten we: fuck it. Laten we het gewoon versturen, weet je? Dus ja, we hebben die beslissing gewoon willekeurig genomen. Uiteindelijk was het een goede beslissing. Het is altijd moeilijk. Er is niet echt een perfect moment om te zeggen dat het nu goed is.

Joey: En hoe beslis je dat voor jezelf?

Alvaro: Ik bedoel, als er niets meer aan toe te voegen is. Of dat het soms niet eens uitmaakt of het hele concept goed is. Bij popsongs heb ik het gevoel dat het gaat om het concept in het algemeen.

Joey: Ik zie dat bij veel artiesten ook gebeuren, het moment bepalen waarop je zegt, oké, het is klaar. Het is klaar.

Alvaro: Vroeger stuurde ik al mijn nummers naar Hardwell, Tiesto en zelfs DJ Snake. Ze waren nog niet eens af, maar hij speelde ze live. DJ Snake heeft bijvoorbeeld veel gedaan. En ik geloof dat Tiesto het ook heeft gedaan. Maar het is ook een paar keer gebeurd dat Hardwell of Snake gewoon nooit antwoordden. Ik heb het gevoel dat dat het punt is waarop je onzeker wordt. Je hebt zoiets van: die jongen heeft al mijn andere nummers gespeeld, maar nu stuur ik hem nieuw materiaal en hij antwoordt niet. Het is waarschijnlijk afval. En ik denk dat dat ook heel moeilijk is. Zelfs Snake stuurde me vorige week een direct bericht, “yo stuur me wat nieuwe shit.” En ik had zoiets van, ja, maar ik maak niet echt clubmuziek meer. Maar toen maakte ik een liedje, stuurde het naar hem en hij antwoordde niet. Wat verklaart dat? Heeft hij het te druk? Vindt hij het leuk?

Joey: Ik denk dat het probleem is dat het 1000 redenen kan zijn. En omdat het moeilijk is om zonder verklaring te leven, begint je geest aannames te maken. Aannames zijn de moeder van alle fuck-ups; als je de gedachten van iemand anders begint te voelen, ben je klaar.

Alvaro: Ja, precies. En ik heb het gevoel dat tegenwoordig hoe meer kennis je hebt en hoe meer ervaring je hebt, hoe meer twijfel je hebt. Je denkt in je hoofd al aan Spotify, YouTube of dat Spinnin een nummer wil hebben.

Joey: Dus je begon je volledig te richten op de productiekant en je verdient nu nog steeds geld, toch?

Alvaro: Ja, ik heb een uitgeefcontract getekend.

Joey: Dus het is nog steeds mogelijk om van muziek te leven? Laten we dat nu meteen vaststellen.

Alvaro: Ik heb het gevoel dat je een perfecte combinatie nodig hebt van branding en het uitbrengen van nummers. Kijk bijvoorbeeld naar Marshmallow. Hij heeft eigenlijk alles; hij is een gimmick met de helm, hij heeft popliedjes en hij doet liveshows. Dat is de hele cirkel van geld. Dat is het enige probleem als je producent bent: je doet geen shows. Dus ik heb het gevoel dat als je muziek produceert, je veel muziek moet maken om uiteindelijk geld te verdienen.

Joey: En nu verkoop je die beats of hoe werkt dat?

Alvaro: Ja, we hebben ze op Ebay gezet haha. Nee, eigenlijk begon het zoals toen ik je vertelde over dat nummer met Post Malone dat het helemaal niet heeft gehaald. Dat bracht me in contact met Diplo. En van daaruit kreeg ik een uitnodiging voor een schrijfkamp op de Kaaimaneilanden. Ik had zoiets van, oh shit, dit zijn de grootste songwriters in het spel. Dat is een beetje hoe we erin zijn gekomen. Dus we deden een schrijfspel en daarna nog een.

Joey: Hoe heb je een voet tussen de deur gekregen? Je kende Diplo al van maanden of jaren daarvoor. Hoe ben je met hem in contact gekomen? Wat was het door je muziek?

Alvaro: Alleen e-mails. Ja. Sociale media. En toen deed ik een nummer voor de PartySquad dat uiteindelijk een Major Lazer-nummer werd met de naam Original Don. Ik denk dat dat het eerste moment was waarop ik Diplo ontmoette. Ik denk dat hij me altijd heeft gekend. Het is altijd vreemd geweest. Zelfs DJ Snake stuurt me rechtstreekse berichten. Ik heb het gevoel dat in de hele scene iedereen elkaar kent. De wereld is klein. Mensen houden elkaar altijd in de gaten. Veel mensen weten niet eens dat ik dit doe.

Joey: Voor mij is het ook een complete verrassing. Ik weet niet eens zeker hoe ik op je Instagram pagina terecht ben gekomen. En ik had zoiets van, wat doet die man? Dus ik was erg benieuwd naar jouw verhaal. Het blijft fascinerend om te zien hoe dingen kunnen uitpakken.

Alvaro: Ja, het is een beetje vreemd. Ik heb bijvoorbeeld gewerkt aan het nummer van Ellie Goulding met Diplo en Swae Lee, dat nu bijna 400 miljoen streams heeft. En ik vroeg me af of ik iets moest posten? Wat zullen de mensen denken?

Is dat wettelijk mogelijk voor jou?

Alvaro: Ja, natuurlijk. Ik ben officieel. Ik sta op de aftiteling. Maar ja, de andere vraag is, is het juist om het te doen? Is het moreel correct? Omdat je aan een nummer voor iemand anders werkt. Het is als een combinatie van een heleboel mensen.

Joey: Zelfs de meest prominente artiesten hebben schrijvers en zo. Zelfs Beyonce heeft 13 schrijvers.

Alvaro: En niemand geeft erom. Niemand vraagt ernaar. In deze tijd is het echt moeilijk om in je eentje het beste nummer te maken. Je moet samenwerken met anderen.

Dat is waar je het perfecte nummer krijgt, want de lat ligt nu erg hoog voor popsongs.

Joey: En ik denk dat jullie elkaar ook blijven uitdagen.

Alvaro: Ja, daarom werk ik zo graag met mijn vriend Bas [Will Grands] aan die nummers. Omdat het met z’n tweeën zoveel makkelijker is om een goed nummer te maken dan alleen.

En het is gewoon zo anders. Het is voor mij minder leuk om alleen in de studio te zijn. Ik denk dat de resultaten nog beter zijn als je met meer mensen bent. Maar is dat geen nachtmerrie als er zoveel mensen op de baan werken?

Alvaro: Ja, dat is zo. Dat is ook een verschil. Ik bedoel, het zal nooit veranderen. Zelfs voor Spinnin Records, als een track 20 miljoen Youtube views krijgt, krijg je nul geld van de video.

Nul. Hoe?

Alvaro: Ik weet niet of zij hetzelfde doen, maar ik herinner me dat het vroeger in het contract stond dat je niets verdiende aan de views op YouTube. Misschien is dat veranderd. Zo kun je niet met geld weglopen. Er zijn veel labels die veel druk op je leggen.

Het is een proces. Dat is hetzelfde met alles; je moet in het begin investeren. Max Martin is bijvoorbeeld een van de popgoden en hij heeft zoveel controle, maar zo is hij nooit begonnen. Hij liep naar boven. Ik heb het gevoel dat dat ook zo is in de popmuziek. Om je naamsbekendheid te vergroten, moet je nummer één hits maken en dan zullen de mensen je gaan herkennen. Je kunt dan verschillende onderhandelingen doen in contracten, of wat dan ook.

Joey: Wat is het belangrijkste dat je de afgelopen twee jaar hebt geleerd?

Alvaro: Nou, ik denk dat voor mij het belangrijkste is om gewoon te doen wat je leuk vindt en wat je gelukkig maakt. Dat is uiteindelijk het belangrijkste. Ik herinner me de dingen die ik eerder deed en die me niet gelukkig maakten. Ik heb het gevoel dat wat ik nu doe me een ander persoon maakt. En het is niet gemakkelijk. Zelfs toen ik met EDM bezig was, wist ik dat ik iets anders wilde doen. Maar je weet niet hoe, toch? Dat is het probleem. Iedereen wil iets anders doen, maar heeft geen idee waar te beginnen. Wat belangrijk is, is je weg vinden.

Joey: Hoe heb je je weg gevonden? Je zei dat je ook niet wist hoe je het moest doen. Hoe heb je het daarna gedaan?

Alvaro: Ik denk dat ik op de een of andere manier terechtkwam bij iets wat ik leuk vond om te doen. Mijn grootste problemen waren het reizen; ik hield niet van reizen. Dus nu ik dat niet doe, ben ik een beetje gelukkiger. Ik werk nu ook in verschillende genres. Ik werd altijd boos omdat ik hetzelfde deed. Ik laadde een 128 BPM project en dat was het ergste, want ik werd door alles beperkt. Nu begin ik aan een heel ander nummer. Ik speel gewoon wat ik cool vind, zoals rare drums op misschien 100 BPM. Dat is het perfecte eraan: Ik kan doen wat ik wil. Ik verveel me ook snel. Het is dus ook een beetje persoonlijk. Ik houd er niet van om iets voor dezelfde periode te blijven doen.

Joey: Ik heb precies hetzelfde!

Alvaro: Zoals, ik verveel me vrij snel en moet mezelf elke keer weer uitdagen. En zelfs ik denk er nog steeds aan om weer DJ te worden als ik thuis ben. Elk kloteweekend dat ik thuis ben, wil ik weer op reis en denk ik aan hoe leuk het was om te reizen. Maar ik denk dat dat een grote valkuil is, want je begint aan de leuke dingen te denken, maar je moet ook aan de ergste dingen denken.

Je leert van alle fouten, toch? Nu zou ik bijvoorbeeld tegen mijn manager zeggen dat hij niet elke boeking moet accepteren, maar alleen de boekingen die ik wil doen en waarvan ik het gevoel heb dat ik ervan kan genieten. Ik denk dat er een groot verschil is en dat je het nog steeds kunt doen. Het is gewoon zo moeilijk om iets voor 50% te doen; ik heb het gevoel dat je ergens 100% in moet stoppen om er echt het beste uit te halen.

Joey: Ik wil je bedanken dat je de tijd hebt genomen om je verhaal te delen omdat ik denk dat het veel artiesten zal helpen om hun gedachten op een rijtje te zetten en misschien andere opties in de industrie te horen. Ik heb echt bewondering voor de keuzes die je voor jezelf hebt gemaakt en voor het volgen van je dromen.

Alvaro: Bedankt dat ik mocht komen!

Dit interview is geparafraseerd voor consistentie en duidelijkheid. Je kunt het volledige interview met Rida bekijken/beluisteren.

Wat is er jongens? Vandaag praat ik met Rida Naser van Sirius XM!

Rida: Bedankt dat ik mocht komen!

Het is eigenlijk grappig hoe dit gebeurde. Om de luisteraars wat context te geven rond het hele verhaal, we hebben elkaar eigenlijk nog nooit ontmoet. Ik had nog nooit van je naam gehoord totdat een van mijn klanten contact met me opnam en zei: “Hé, ik krijg van die berichten van Rida en ze zegt dat ze mijn remix draait en dat mensen er om vragen op Sirius XM.

Rida: Ja, het is gek.

Ja. En toen begon ik je op te zoeken en te controleren of alles legaal was. We begonnen contact te maken en ik merkte dat je programmadirecteur was bij Sirius XM. Hoe ziet jouw dag er uit?

Rida: Dus mijn dagelijkse bezigheden bestaan uit veel luisteren, muziek kiezen en uitzoeken welke nummers het goed doen en welke niet, en contact leggen met artiesten die we een warm hart toedragen. Een groot deel van mijn dag staat dus in het teken van muziek. Ik ben ook presentator, dus ik praat elke dag op de radio van maandag tot vrijdag, van 10.00 tot 14.00 uur ’s middags, en ik praat over dancemuziek. Het is geweldig!

Joey: Hoe is je passie voor dansmuziek ontstaan?

Rida: Het is eigenlijk een beetje gek. Ik was 19 jaar oud, zat op de universiteit en was een beetje de weg kwijt. Ik had geen idee wat ik wilde doen. Uiteindelijk maakte ik kennis met radio via een lokale radiowedstrijd in mijn omgeving die ik won om Selena Gomez te zien. Dus ik ging met mijn zus naar dat radiostation en liep naar binnen en ik had zoiets van, wow. Dit is zo cool. Ik zag mensen van mijn leeftijd van 19, 20 rondlopen die aan het werk waren. En ze hebben uit eerste hand ervaringen opgedaan met bijvoorbeeld Selena Gomez en ik weet zeker ook met andere artiesten. En na veel doorzettingsvermogen kreeg ik uiteindelijk een paar parttime baantjes bij radioshows. Een vriend raadde me later aan om stage te lopen bij Sirius XM. Op dat moment had ik geen idee wat het was.

Joey: Ja, kun je ons voor ons publiek vertellen wat het verschil is tussen Sirius en conventionele stations?

Rida: Allereerst is er dus een groot verschil tussen aardse radio en satellietradio (XM). Een van de belangrijkste dingen is dat er geen reclames zijn. Het is een abonnement, je moet betalen.

Dus dit staat op het internet?

Rida: Nee, het zit in veel auto’s. Dus als je voor het eerst een auto koopt, krijg je drie maanden gratis en dan beginnen mensen ernaar te luisteren en worden ze er verliefd op. Een ander voordeel is dat je veel meer vrijheid en creativiteit hebt binnen het station. Het is ook ongecensureerd; je kunt vloeken, zeggen wat je wilt.

Ja. En het belangrijkste van dit alles is dat het nationaal is. Het is een nationale uitzending en service, wat betekent dat je het door de hele staat kunt horen. We hebben een enorm publiek. We hebben Pandora ook net overgenomen. Dus nu werken we min of meer hand in hand met Pandora. Dus nu hebben we samen 100 miljoen abonnees, wat echt cool is.

Het is drie jaar geleden dat ik in de uitzending was. Nu leef en adem ik dansmuziek. Ik ben een paar maanden geleden gepromoveerd tot programmadirecteur, dus nu heb ik meer invloed op de muziek.

Joey: Als programmadirecteur kun je de muziek kiezen. Ik vroeg me af hoe je Josh’s bootleg op de radio kon afspelen?

Rida: Om eerlijk te zijn denk ik niet dat we dat kunnen. Als ze dat willen, kan het label het weghalen. We hebben ook een relatie met dat platenlabel. En nogmaals, uiteindelijk is het exposure voor hun artiesten. Ik zie niet in waarom ze het zouden willen weghalen.

Joey: En je vond deze remix via SoundCloud? Is dat een van de belangrijkste plaatsen waar radiomensen nieuw talent ontdekken?

Rida: Ik bedoel, ik houd altijd alle andere afspeellijsten in de gaten. Er zijn hier niet veel dansstations. Het is niet zoals in Nederland waar je de auto in gaat en dansmuziek draait. Dus ik moet een beetje letten op afspeellijsten, of het nu van Apple of Spotify is. Ik krijg ook vaak muziek toegestuurd. Ik heb een map die ik elke week vul. En eens per week ga ik door die map.

Dus je controleert ze wel? Dat is een van de grootste vragen die ik krijg van artiesten: kan ik mijn muziek naar radioprogrammeurs of andere DJ’s sturen? Het lijkt alsof niemand luistert.

Rida: Ik luister. Ja, het is overweldigend omdat ik tot wel 100 e-mails per dag kan krijgen met muziek. Het moet meteen indruk op je maken. Ik weet dat het frustrerend is voor artiesten, maar als ik een nummer niet goed vind, ga ik gewoon verder. Ik werk nu drie jaar aan het kanaal. Ik weet waar het publiek van houdt en ik weet wat voor geluid ze zoeken. En dan weet ik ook wat voor soort geluid goed is om mee te experimenteren. Dus in die tijd heb ik uitgevonden wat werkt en wat niet, en als mensen me muziek sturen, luister ik natuurlijk, maar ik kan niet op alles reageren. Veel mensen komen dan terug om te zeggen dat ze iets gerepareerd hebben, en dan heb ik zoiets van, hou alsjeblieft op. Dus ik ben heel voorzichtig met het advies dat ik geef. Soms is het moeilijk omdat ik hun geen hoop wil geven. Elke week mag ik maar drie of vier nummers kiezen om aan de afspeellijst toe te voegen en het moet elk ander nummer dat ik bekijk overtreffen. En dat is moeilijk.

Ik krijg veel commentaar en mensen zeggen dat ik favorieten uitkies. En dan heb ik zoiets van, ik beloof je dat ik luister. Ik kan gewoon niet iedereen terugbellen. Ik kan het echt niet, tenzij ik het nummer hoor en dan denk ik, het heeft me gewoon weggeblazen. Het is als een lot uit de loterij, want het gebeurt niet vaak. Maar soms heb je zo’n nummer waarvan je meteen denkt: WOW.

Ik wil niet dat artiesten zich ontmoedigd voelen als ze muziek naar een programmadirecteur sturen. Maar ze moeten ook oppassen dat ze een programmadirecteur niet voor het hoofd stoten. Er is zelfs een jongen die me vier e-mails op één dag stuurde. Toen bleef ik maar antwoorden op die e-mails, zoals, oké, hier is een radiobewerking. Oké, hier is een uitgebreide mix. Oké, hier is een remix. Ik heb zoiets van, kalmeer. Ik heb nog niet eens naar het origineel geluisterd. En toen vond hij op de een of andere manier mijn bureautelefoonnummer en belde me en sms’te me en ik had zoiets van, stop, stop. Nu wil ik niet naar je luisteren. Op een gegeven moment moet je professioneel zijn. Ik begrijp consistentie, maar je moet het op een professionele manier doen.

Joey: Wat is volgens jou de juiste hoeveelheid doorzettingsvermogen? Hoe vaak moeten mensen je bijvoorbeeld e-mailen?

Rida: E-mail me een nummer en e-mail me een vervolg. Als ze reageren, zal ik waarschijnlijk antwoorden. En misschien, als je een remix hebt die twee weken later uitkomt, is dat prima. Bel of sms me zeker niet persoonlijk. Het is heel gemakkelijk om te weten waar de grens ligt. De band die je hebt met je relaties is echt belangrijk in de muziekindustrie. En uiteindelijk is het een menselijke aangelegenheid.

Ik wil organisch genieten van het nummer. In mijn hoofd, als je me al een miljoen keer tegen de haren hebt ingestreken, dan zal ik je nummer waarschijnlijk niet afspelen. Aan het eind van de dag zie ik mensen zoals Josh die passie en potentieel hebben om professioneel te zijn in de branche. Als je niet met een radioprogramma kunt praten, hoe ga je dan festivals spelen? Hoe ga je massale shows spelen? Hoe ga je om met fans? De macht van de gunst is iets groots in de muziekindustrie. En daar komt het persoonlijke aspect om de hoek kijken.

Joey: Nou, bedankt voor het geven van wat inzichten over de radiowereld in de wereld van SiriusXM. Ik denk dat veel artiesten iets aan deze aflevering zullen hebben, omdat ze een dieper inzicht krijgen in de radiowereld, omdat veel van ons niet weten wat er achter de schermen gebeurt.

Bedankt!

Hoe gaat het, Olly! Hoe is de temperatuur daar?

Olly: Ja, het is verschrikkelijk man. Ik ben nu in dit kantoor en probeer aan muziek te werken. Ik kan me gewoon niet concentreren. Ik zit hier en zweet man. We hebben ook geen airconditioning.

Joey: Ik heb nooit graag airconditioning in de studio omdat je altijd dat zoemgeluidje op de achtergrond hebt.

Olly: Ik produceer letterlijk de hele tijd met deze V-Moda hoofdtelefoon. Dit is wat mensen gebruiken om te DJ-en, maar ik ben nooit zo’n fan geweest van hardware zoals luidsprekers of koptelefoons. Ik geef veel van mijn geld uit aan vst’s en dat soort dingen. Door de jaren heen heb ik geleerd om de mix goed te krijgen met deze hoofdtelefoons, dus ik ben ontzettend bang om over te stappen op KRK Rokits of andere speakers haha.

Joey: Als het werkt, waarom zou je het dan veranderen?

Olly: Ik kan beter hebben. Toen ik in de studio was met Blasterjaxx, was hun studio ziek. Als ik daar aan muziek werk, denk ik ‘verdomme’, dit spul zou echt een verschil maken voor mijn mix.

Joey: Ik denk dat voor veel producers geldt dat wanneer ze een soort van succes hebben, ze andere dingen gaan doen die veranderen wat hen eigenlijk tot succes bracht.

Olly: Ja, daar maakte ik me zorgen over. Ik kijk naar andere mensen die op hetzelfde label als ik uitbrengen, en zij hebben van die grote studio’s en apparatuur, en ik denk, ‘waarom doe ik dat niet’. Ik denk dat de belangrijkste reden is dat ik als persoon, als ik iets krijg en het leer, het altijd wil blijven gebruiken. Ik heb FL Studio lange tijd niet geüpdatet totdat ik het echt moest doen. Ik bewees mezelf eigenlijk een slechte dienst. Maar ja, ik hou er niet van om me af te zonderen en ik ben bang om nieuwe dingen te proberen.

Joey: Het grappige is dat je waarschijnlijk denkt dat je het beter kunt, maar als je het je fans vraagt, horen ze het verschil niet tussen het mixen van de track in een dure studio of in je eentje.

Olly: Ik denk dat als ik een studio zou hebben, het belangrijkste de inspiratie zou zijn. Ik kom hier binnen en word wakker, en het is elke keer hetzelfde. Ik zou graag een ruimte hebben waar ik inspiratie op kan doen. En als ik die plek verlaat, kan ik stoppen met denken aan muziek en zo. Op dit moment denk ik constant aan dingen. Op een dag wil ik ergens heen waar ik leven en muziek kan scheiden.

Dat was ook de reden dat ik een studio buiten mijn huis ging verhuren. Ik werd een gevangene van mijn eigen huis. Ik was constant in mijn slaapkamer. Ik werd wakker, deed mijn badjas uit, ontbeet en ging dan weer naar boven.

Het is dezelfde reden waarom ik graag elke maand naar Nederland ga, omdat het mijn routine doorbreekt. Ik heb nu een routine waarbij ik wakker word, werk aan muziek, bounce wat ik ook maak, ga naar de auto, luister naar de track in de sportschool met een koptelefoon, kom terug en werk er nog wat aan. Het is die routine die je soms vertraagt en je in een writer’s block brengt.

Joey: Laten we het over die routine hebben, aangezien je zei dat je elke maand naar Nederland gaat. Waarom is dat?

Olly: Mijn manager en ik werken al jaren samen. Ik blijf bij hem en hij is natuurlijk ook de manager van Blasterjaxx, dus we zijn allemaal één groot team. Ik mag naar hun kantoor en gebruik hun studio. Het is gewoon heel leuk omdat ik in de studio met andere producers werk, terwijl ik thuis stems moet sturen. Het geeft een ander randje aan de baan als de persoon naast je zit.

Joey: Waar in Engeland woon je?

Olly: Heel dicht bij Newcastle. Hier is er helemaal geen EDM-scene; het is vooral tech house. Het maakt me verdrietig omdat ik nog nooit in Engeland heb gespeeld. Het is een van mijn grootste doelen. Ik heb over de hele wereld gespeeld, maar nog niet hier. Ik weet dat het op een dag zal veranderen, maar op dit moment draait het allemaal om de housescene.

Joey: Ik heb het gevoel dat Engeland altijd al underground gericht is geweest.

Olly: Toen Big Room twee jaar lang populair was, draaide zelfs de clubs waar ik naartoe ging het. Dat was een van de redenen waarom ik begon. Ik hoorde Sandro Silva’s ‘Epic’ in de club en had zoiets van ‘whoa’. Ik begon net te drinken toen ik 18 jaar oud was en had zoiets van ‘verdomme dit is een vibe’. Tegenwoordig is het gewoon triest om te zien dat dat niet meer bestaat. Volgens mij hoor je Big Room eigenlijk nergens in clubs.

Joey: In Nederland is het ongeveer hetzelfde. EDM verdween ook in de clubs. Je hoort het nog steeds op festivals, maar ik denk dat de Nederlandse hiphop- en reggaetoncultuur het de laatste jaren heeft overgenomen. Er is ook een grote hardstyle-community. De hardstyle community is zo’n sterke fanbase; ze zijn erg toegewijd aan de artiest.

Olly: Ik hoop dat Big Room op een dag terugkomt. Ik ging door een lange periode van het verlaten van het geluid dat me bracht waar ik nu ben omdat ik muziek wilde maken die cool was. Ik maakte bass house en allerlei andere genres, wat mij en mijn carrière echt vertraagde. Al die artiesten hebben zo’n geluid en ik heb mijn geluid gewoon laten varen omdat ik achter de hype aan zat. Tegenwoordig ben ik blij met waar ik ben.

Wacht, laten we teruggaan naar het begin. Je zei dat je op je 18e naar de club ging…

Olly: Ik ben nu 25.

Je bent jong!

Olly: Toen ontdekte ik Big Room en dat liet me dingen voelen die ik nog nooit eerder had gehoord. Natuurlijk wilde ik meer muziek in die stijl downloaden. Als je al die liedjes hoort die niemand anders heeft gehoord, denk je ‘oh, nu moet ik DJ worden’, dus ik kocht de apparatuur en begon te oefenen. Ik speelde voor ongeveer tien mensen op mijn universiteit en had nog nooit in een club gespeeld. Ik had veel geluk met ‘Ecuador’ dat getekend werd bij Spinnin’.

Joey: Was het je eerste release?

OllY: Ik heb een track getekend voor Revealed op hun ADE sample, en ik denk dat ik het jaar daarop Ecuador heb gestuurd. Vanaf dat moment veranderde alles. Ik heb nog een track op Spinnin’ met Vinai. Ik werkte met die hype en hield hem gaande. Toen begonnen de shows binnen te komen. Ik ben natuurlijk nogal verlegen, dus het was moeilijk om te beginnen. Eén ervan was een top 100 club in Zwitserland en ik kwam daar met één USB en er stonden 20 nummers op. Alles was al ingesteld, sommige tracks op 150 bpm. Ik stond geboekt om Ecuador nummers te spelen, dus de man ging naar mijn manager en zei dat hij de vloer aan het verknallen was en harder moest gaan spelen. Ik raakte in paniek en zei: ‘Ik heb niets anders, dit is alles wat ik op mijn USB heb.

Iedereen die ik kende begon in deze lege bars te spelen en werkte zich omhoog. Maar toen ik een show aangeboden kreeg, voelde ik me slecht. Toen er nog zeven dagen te gaan waren tot de show, wenste ik dat de tijd langzamer ging. Nu is het tegenovergestelde het geval. Ik speel graag shows.

Joey: Ja, dat is een heel ander verhaal dan wat je normaal hoort. Zoals je al zei, beginnen mensen meestal lokaal te spelen en bouwen ze hun weg omhoog op. Ze hebben ervaring voordat ze de baan hebben. Maar voor jou, vanwege een vrij grote release, had je je eerste optreden en werd je voor het blok gezet.

Olly: Ben je zo begonnen? Spelen in lege bars?

Joey: Ja, ik begon echt onderaan: spelen op kinderfeestjes. Ik verzamelde mijn eigen spullen en nam een hifi-set van mijn opa mee. In het begin had ik geen mengpaneel; ik had twee gewone cd-spelers.

Olly: Kijk, dit is het droomverhaal dat ik denk dat ik mensen moet gaan vertellen…

Maar ik denk dat het goed is dat mensen het zien. Ik zou eerlijk zeggen dat ik veel meer anders ben dan anderen. Er is niemand in mijn familie met een muzikale achtergrond en niemand heeft interesse in of een baan in de muziek. Het enige wat ik deed was Fl-studio ophalen. Ik ben verrassend slecht met computers, software en al die dingen. Ik vond gewoon iets waar ik super gepassioneerd over was, en dat was Big Room.

Joey: Dus je had geen connecties met muziek – geen passie voor computers, en toch lukte het je om die liedjes te maken. Wat gebeurde er tussendoor?

Olly: Mensen vragen me: “Hoe ben je hier gekomen? Letterlijk, iedereen kan het, hoe oud je ook bent. Het enige wat ik van jongs af aan had, was creativiteit. Ik spendeerde uren aan het maken van auto’s in Need for Speed II, zonder zelfs maar met de auto’s te racen. Veel van toen ik jong was, ging door. Ik begon mashups te maken en begon natuurlijk verschillende samples te combineren om mijn eigen nummers te maken. Als je naar Zedd kijkt en hij kan al die instrumenten bespelen, had ik niets man. Ik behandelde FL studio als een videospel en speelde het keer op keer. En na zeven jaar bleek dat ik best goed was.

Joey: Ik geloof echt in die filosofie. Uiteindelijk maakt oefening beter.

Olly: Sommige mensen hebben een muzikale achtergrond en kunnen op zijn minst piano spelen. Dat is zeker een voordeel.

Joey: Eigenlijk begon ik hetzelfde als jij: helemaal geen kennis. Mijn familie hield niet van muziek en ik kon geen noten lezen. Ik deed het allemaal op mijn gehoor. Ik luisterde naar wat ik maakte en besloot of ik het mooi vond. Daarna ging ik naar de muziekschool waar ik noten en akkoorden leerde lezen. En later, hoe meer ik leerde, hoe meer het me begon te blokkeren. Ik begon een boek met regels te maken die ik moest implementeren. Dat blokkeerde mijn creativiteit, want wat goed klonk, was technisch niet echt in orde.

Olly: Onlangs heb ik besloten om te proberen een instrument te leren. Ik heb ongeveer 8 of 9 pianolessen gehad en een keyboard gekocht dat niet één keer is gebruikt. Eerlijk gezegd, omdat ik het zo graag wilde, deed ik er alles aan om mezelf beter te maken. Het blijkt dat ik niet echt werk op de manier van mezelf dwingen om dingen te proberen die ik niet ben. geïnteresseerd in. Als ik een goede melodie maak, weet ik welke noten goed bij elkaar passen en welke akkoorden werken.

Joey: Ik denk dat dat heel belangrijk is. Je moet jezelf kennen en weten hoe je leert. Sommige mensen leren liever uit boeken, terwijl anderen het gewoon doen en zien wat er gebeurt.

Olly: Ik kan dingen doen in FL studio en met VST’s, maar ik kan je niet vertellen waarom deze dingen gebeuren. Ik weet alleen dat ik er drie keer op heb geklikt en dat het goed klonk.

En wie kan het wat schelen? Ik kijk naar je Spotify. Op de een of andere manier worden je nummers hier 22 miljoen keer afgespeeld en daar 2 miljoen keer. Mensen geven er niet om. Het is hetzelfde met een Ferrari – niemand geeft erom hoe hij gebouwd is. Ze geven er alleen om hoe snel hij rijdt. Hoe ik het zie, is niemand geïnteresseerd in hoe ze het maken, natuurlijk zijn er een paar mensen, maar dat zijn meestal muziekproducenten.

Olly: De echte fans, die geen producers zijn, degenen die letterlijk om je muziek geven, die geven er echt niets om.

De enige reden waarom ik die dingen met de piano wilde doen, was omdat ik naar andere mensen keek en mezelf vergeleek. En dat was het ergste. Dat is het belangrijkste wat je nooit kunt doen.

Ik heb onlangs mijn sociale media van mijn telefoon moeten verwijderen. Ik keek naar mijn vrienden en ik ben altijd trots op ze geweest. Maar een paar weken geleden begon ik te denken: ‘waarom doe je dat niet, waarom ben je daar niet? Ik moest gewoon een week vrij nemen en een stap terug doen. Als er iemand is die aan hetzelfde lijdt, maak je dan geen zorgen dat je een stapje terug moet doen. Ik denk dat we het allemaal doen en het is moeilijk om ervan los te komen.

Joey: Ik denk niet dat sociale media iets slechts is, maar ik kan me voorstellen dat het voor iemand een probleem kan worden. Het is verslavend, vooral voor jongere mensen. Ze vergelijken zichzelf gemakkelijker met anderen en hebben het gevoel dat ze niet speciaal genoeg zijn.

Olly: In het verleden vergeleek ik mezelf met de muziek van Martin Garrix en dan voelde ik me slecht. Als ik dat weekend geen show heb en mijn vrienden wel, zou ik me slecht voelen. Maar ja, zo is het leven nu eenmaal.

Joey: Ik zat ook in een periode waarin ik naar andere dj’s keek. Het probleem is dat je het nooit zult weten. Het kan van alles zijn. Het zou het netwerk kunnen zijn, het feit dat het gewoon een beter nummer was, of een nummer waar het label naar op zoek was. De enige die er echt moeite mee heeft, ben jij.

Olly: Voor mij wil ik gewoon beter zijn dan vorig jaar. Dat is alles waar ik mezelf nu mee vergelijk.

Joey: Wat is het belangrijkste dat je voor jezelf hebt veranderd?

Olly: Toen ik mezelf in die periode vergeleek met de spullen van mijn vrienden, keek ik eigenlijk alleen maar naar mijn pad. Mijn manager doet dit eigenlijk altijd. Hij zal zeggen, hoe zat het in 2017 toen je niet eens naar een publiek kon kijken als je aan het DJ-en was, en nu heb je net op een festival gespeeld met 10.000 mensen. Dat zou klikken. Maar ik denk dat het heel zeldzaam is om iemand te hebben die constant zo positief is. Hij heeft me erg geholpen.

Tegenwoordig moet ik soms tegen mezelf zeggen: kijk waar je twee jaar geleden was. Er zijn mensen die graag in mijn positie zouden verkeren. Daar denk ik aan en ik ben blij dat ik die kans heb gekregen.

Joey: Het is echt makkelijk om al je successen te vergeten.

Olly: Precies. Mensen die ik lang niet heb gezien, zeggen ‘wow, je doet het geweldig op dit moment’ omdat ze de goede dingen hebben gezien. Maar ik heb ook de minder goede dingen gezien.

Joey: Hou je van toeren?

Olly: Ja! In het verleden vond ik het maar niks. Er was een keer dat ik in China achterbleef. Een fotograaf ging met me mee en ging gewoon naar huis. Dat was de gekste ervaring omdat ik zo ver van huis was. Tegenwoordig kan ik er geen genoeg van krijgen.

Als ik honger heb, is dat heel moeilijk – dan word ik heel hongerig! Maar afgezien daarvan had ik nooit gedacht dat ik het soort persoon zou zijn dat van reizen zou houden. Ik ben geobsedeerd door Azië. Als ik terugkom van een tournee, voel ik me zo verfrist en klaar om weer de studio in te gaan. Het is een geweldige balans voor mij.

Joey: Ik werd ook altijd hongerig op tournee. Als tip voor jou: neem altijd eten mee dat je een jaar kunt bewaren, zoals pinda’s of Snickers.

Olly: Ja! Ik nam altijd eiwitrepen mee. Ik neem een extra koffer mee vol met eten en zo. Ik kan alleen westers voedsel eten. Ik hou echt niet van sushi, dus als ik naar dat soort plekken ga, is mijn dieet slecht. Meestal kom ik heel dik en verdrietig terug omdat ik zo slecht gegeten heb. Dus dat is iets waar ik aan moet werken om dit lang te kunnen blijven doen. Als je niet in vorm bent na het eten van al dat vreselijke voedsel, heeft dat ook invloed op je werk als je thuis bent.

Joey: Train je tijdens de tour?

Olly: Niet zoveel als ik zou moeten. Maar ik train veel thuis. Ik word op de een of andere manier lui omdat ik gewend ben geraakt aan zitten en wachten. Tijdens de tour wilde ik meestal gewoon in bed liggen en Chinese tv kijken. Maar nu neemt mijn tourmanager me mee naar plaatsen. We gaan wat foto’s maken, en ook al ben ik supermoe, ik ben in dit nieuwe land en deze nieuwe ervaring, en het brengt echt mijn humeur omhoog.

Laten we naar de muziek gaan. Je hebt je eerste hoofdrelease uitgebracht op Spinnin’ en je hebt een aantal releases gehad op Maxximize en Revealed. Hoe kijk je nu aan tegen het uitbrengen van muziek? Er zijn op dit moment veel mogelijkheden om je eigen muziek uit te brengen zonder labels. Wat is je mening daarover op het niveau waar je nu bent?

Olly: Ik denk dat het belangrijk is om op deze grote labels uit te brengen omdat ze bijna een aparte groep fans zijn. Er zijn fans van het label en ook mijn fans. Ik zal altijd gratis downloads laten vallen. Maar als ik iets uitbreng op een label dat ik al een tijdje niet meer heb uitgebracht, worden mensen gek.

Joey: Hoe ben je voor het eerst getekend bij een groot label? Hoe ging dat proces met de Spinnin’ release?

Olly: Nou, de eerste was met Revealed, en eigenlijk was mijn ding in die tijd het maken van onofficiële releases en bootlegs. Zo werd ik min of meer ontdekt op SoundCloud.

Joey: Ik denk dat ik een paar van je bootlegs heb gedraaid, nu je het zegt.

Ja! Ik was er dol op, man. Dat is nog steeds iets waar ik een klik mee heb.

Joey: Is dat hoe je je fanbase begon op te bouwen?

Olly: Ja, alleen door bootlegs. Want mensen gaan zoeken naar een remix van een groot nummer, niet naar de originele mix van een onbekende artiest. Zo richtte ik me op meer mensen en kreeg ik een paar dingen gedraaid op Hardwell on Air. En toen kreeg ik een e-mail van Seb van Revealed met de vraag of ik demo’s had voor de ADE-sample. Dus ik raakte in paniek en maakte een nummer met twee echt getalenteerde jongens. Ik heb er niet veel aan gedaan, ik deed 5-10% van het werk, en die track werd getekend. Dus dat was mijn gelukkige binnenkomst.

Met Spinnin’ denk ik ook dat ik veel geluk heb gehad. Ik maakte deze Ecuador remix in 3-4 uur; in één nacht. Hardwell draaide het op Hardwell on Air en ze tagden beide artiesten op Twitter. Ik kreeg een DM van Sash! die het origineel maakte, en hij zei, ‘yo, wie zei dat je dit nummer kon remixen?’. En ik had zoiets van, ‘oh man, dit gaat slecht aflopen.’ En toen kreeg ik een e-mail van Spinnin’, waarin stond ‘het lijkt erop dat we de Ecuador-track gaan uitbrengen’. Maar een track die me 3-4 uur kostte, was waarschijnlijk de meest succesvolle track die ik ooit heb gemaakt.

Joey: Dat hoor je heel vaak, dat de meest succesvolle tracks minder tijd in beslag nemen. Heb je enig idee waarom dat is?

Olly: Het is het coole idee dat tijd kost. Als ik een goed idee heb, kan ik een nummer heel snel afmaken – vooral als het een remix of een bootleg is waar je al een geweldige hook van hebt.

Joey: Ik denk dat dat het grootste verschil is. Als je een nummer in zo’n korte tijd kunt afwerken, denk je niet echt na over wat je aan het doen bent. Alles komt recht uit het hart, niet uit de hersenen. Als je gaat overdenken, gaan dingen kapot.

Olly: Met Ecuador maakte ik het als een onofficiële remix die ik gratis op SoundCloud zou zetten. Ik had deze labelbeperkingen niet. Ik heb het gewoon gratis gemaakt en ik denk dat zoveel creativiteit heeft geholpen.

Ik raad het iedereen aan die wil beginnen, maar ook als je al een behoorlijk niveau hebt. Het is altijd een geweldig middel om een fanbase op te bouwen – elke DJ wil een goede bootleg draaien omdat het publiek er dol op is. Het publiek zal ook op zoek gaan naar remixes, en ze zullen jouw tracks er ook in vinden – het mes snijdt aan twee kanten.

Joey: Dus nadat je je voet tussen de deur had gekregen met Revealed en Spinnin’, hoe ging het daarna? Wat is er veranderd?

Olly: Ten eerste was het voor mij heel gemakkelijk om muziek bij de mensen te krijgen die ik wilde. Dat was superbelangrijk. Ik heb me altijd afgevraagd hoe mensen aan dat eerste contact kwamen, maar als je het eenmaal hebt, wordt het zoveel gemakkelijker. Je kunt feedback krijgen, ze kunnen je vertellen wat werkt en wat niet werkt. Maar ik begon ook een beetje die doos te voelen. Dat was een beetje moeilijk in het begin, maar toen ik er meer tracks op kreeg, begon ik meer vertrouwen te krijgen en begon ik met andere artiesten op het label samen te werken. En toen kon ik weer echt muziek maken vanuit mijn hart en verdween die doos langzaam.

Joey: Ik denk dat dat iets is wat je veel hoort: je voet tussen de deur krijgen, dat eerste contact. En bij jou gebeurde dat gewoon door bootlegs te maken.

Olly: Het is duidelijk dat Soundcloud tegenwoordig niet meer zo krachtig is als toen. Maar ik denk dat als je een remix gedraaid krijgt op de mainstage van Tomorrowland, dat nog steeds dezelfde impact heeft op je carrière.

Joey: Wat is iets waar je je nu op concentreert? Wat is volgens jou iets waar mensen zich nu op moeten richten in de industrie?

Olly: Ik denk dat mensen zich moeten richten op wat ze diep van binnen leuk vinden. Zoals ik al eerder zei, zat ik een paar jaar achter de hype-trein aan, wat betekende dat ik minder releases en minder shows kreeg. Dus ik denk dat Big Room nu voor mij niet meer is wat het geweest is, maar ik vind het leuk om dat genre te maken en ik ben er goed in. Ik ga er alles in stoppen om een creatievere versie van mijn geluid te maken. Als je net begint, wil je het ‘in’ ding maken – dat weet ik. Je zult de hype willen volgen. Als je niet echt van dat geluid houdt, zul je nooit goed genoeg zijn om op een label uit te brengen. Diep van binnen moet je er super in zitten. Je moet de tijd nemen en nadenken over wat je echt leuk vindt. Want op een dag kan dat genre weer groot worden.

Joey: Ik heb hier eigenlijk met Bart B More over gesproken. Ik kende hem in mijn stad toen ik nog speelde. Aan het begin van mijn carrière ging hij heel hard omdat hij een track had op Toolroom. Zijn geluid was nieuw. Hij begon te toeren en toen veranderde de industrie en werd het meer EDM. Hij vond dat helemaal niet leuk en hij verdween gewoon omdat hij het niet leuk vond om EDM te maken. En nu is hij terug en heeft hij zichzelf helemaal opnieuw gedefinieerd. Hij is begonnen met het uitbrengen van dezelfde soort muziek, en het is weer erg succesvol. Hij staat nu onder contract bij STMPD.

Olly: Ook omdat je kijkt naar de tracks van die mensen, bijvoorbeeld Mike Williams, ga je nooit future house maken zoals hij omdat hij al op de volgende golf zit. Je zult die cirkel altijd blijven achtervolgen. Blijf gewoon waar je bent.

Joey: Als je trends volgt, ben je altijd tweede.

Wat had je willen weten voordat je aan deze reis begon?

Olly: Dat is een moeilijke. Wat ik graag had geweten is dat geld niet zo makkelijk aan te komen is. Ik heb mijn baan veel te vroeg opgezegd en dacht dat het een stuk makkelijker zou zijn omdat je ziet wat voor vergoedingen DJ’s krijgen. Maar wat ik niet begreep waren alle kosten die je hebt. Verlaat je baan dus niet te vroeg. Probeer zoveel mogelijk tijd vrij te maken, maar verwacht niet dat je meteen een fulltime salaris verdient. Dat moet met de tijd komen.

Als producer kun je geen geld verdienen aan muziek tenzij je het hele nummer maakt, samples uitbrengt en al die andere dingen. Je hebt een DJ-profiel nodig als je een financieel succesvolle artiest wilt zijn. We willen het allemaal als baan. Spring er alleen niet te vroeg op in.

Joey: Wat ik ook altijd denk is dat je niet in één keer je volledige baan moet opzeggen. Er zit een midden in dat hele verhaal. Zodra je financiële stress krijgt omdat je de huur moet betalen of de auto moet betalen, is dat dodelijk. Financiële stress doodt creativiteit; het doodt je positiviteit; het verpest alles. Ik zou dus aanraden om een fatsoenlijk inkomen te behouden zolang het mogelijk is om het te combineren met je muziek. De meeste mensen stoppen vroegtijdig vanwege hun ego; ze hebben het gevoel dat ze er al zijn terwijl dat in werkelijkheid niet zo is.

Nou, bedankt dat je zo open bent over alles, man! Ik waardeer het echt dat je over dit soort dingen praat, maar ook over de problemen die je hebt gehad in je carrière. Ik denk dat dat belangrijk is. Wat we zien op sociale media is slechts 1% van de carrière. Dus bedankt voor je openheid en het delen van je hele verhaal!

Olly: Ik weet dat er veel mensen naar je luisteren die hier een carrière in willen. Ik zal altijd eerlijk zijn omdat ik denk dat het goed is om de andere kant te zien. Dat is de enige manier waarop je het echt kunt maken in deze business: als je alles weet.

Joey: Veel succes met de rest van je carrière!

Dit interview is geparafraseerd voor consistentie en duidelijkheid. Je kunt het volledige interview met Sam Feldt hier bekijken/beluisteren!

Hoi Sam, hoe gaat het?

Wat is er? Blij om hier te zijn. Het gaat goed! Ik heb net twee shows achter de rug – een op Electrobeach in Frankrijk en een op Airbeat One in Duitsland.

Joey: Ja, ik zag op je Instagram dat je gisteren bent teruggekomen. Ik was al aan het bewonderen hoe je de podcast vandaag ging doen. Dat is toewijding!

Sam: Ja, zoals ik al kort zei in ons gesprek eerder, doe ik meestal dingen als interviews, vergaderingen en pers van maandag tot woensdag, en dan van donderdag tot zondag ben ik meestal weer op pad. In dit geval ga ik vrijdag terug naar Tomorrowland.

Joey: Hoe belangrijk is het voor jou om zo’n ritme te hebben; een schema dat je kunt aanhouden?

Sam: Nou, ik vind het leuk, maar het werkt niet altijd. De afgelopen vier weken ben ik niet thuis geweest. Dan is het moeilijk om een schema aan te houden van maandag tot woensdag, enz. Maar ja, als ik weer thuis ben, ziet mijn week er meestal zo uit.

Joey: Hoe ga je om met reizen terwijl je ook andere onderdelen van je werk doet? Je maakt muziek en speelt, maar hoe zit het met de andere dingen die je doet? Hoe houd je die dingen vol terwijl je reist?

Sam: Het kan best moeilijk zijn, vooral als het om tijdzones gaat. Soms krijg je telefoontjes en e-mails, maar zit je aan de andere kant van de wereld. Dus als je wakker wordt, heb je een mailbox met wel 100 e-mails, maar als je dan antwoordt, antwoordt niemand omdat ze allemaal slapen. Het kan heel frustrerend zijn, maar je moet er iets van maken. Ik denk dat het essentieel is om tijdens het toeren te blijven reageren op e-mails en telefoontjes te plegen, terwijl je ook aan je muziek blijft werken. Anders heb je bij thuiskomst een enorme werklast met misschien wel 1000 e-mails die je nooit overleeft.

Joey: Hoe zou je je zaken als artiest op dit moment omschrijven? Iedereen weet dat je muziek maakt en DJ bent, maar wat gebeurt er nog meer op de achtergrond?

Sam: Er is best veel. Ik heb net mijn labelcontract beëindigd, dus we praten nu met nieuwe labels. Onderdeel daarvan is het opzetten van mijn eigen label, wat een grote taak is omdat ik de juiste distributeur moet vinden en het juiste team moet samenstellen. Ik heb ook net mijn uitgeverij gelanceerd. Ik ben ook de oprichter van twee andere bedrijven, een genaamd Fangage, en een ander is een katerdrankje dat ik in oktober heb gelanceerd genaamd ‘Always Bright’. Daarnaast ben ik ook de oprichter van de Heartfeldt Foundation, een duurzaamheidsplatform en non-profit. Daarvoor ben ik vorige week naar Uganda geweest. Het is een heel divers leven met veel verschillende aspecten, en ik denk dat dat me helpt omdat ik de creatieve dingen in de studio en op het podium kan doen, mijn ondernemersgeest kan verbinden met de twee startups, en ook een gevoel van doelgerichtheid heb door mijn stichting.

Joey: Ben je altijd al zo ondernemend geweest? Of was dit iets waar je achter kwam toen je eenmaal op een bepaald niveau in je carrière zat?

Sam: Ik begon mijn eerste bedrijf toen ik 13 jaar oud was. Ik moest mijn vader meeslepen naar de Kamer van Koophandel omdat ik nog geen bedrijf kon oprichten omdat ik minderjarig was. Ik verkocht mijn bedrijf toen ik 15 was; het was een e-commercewinkel waar ik producten uit China importeerde en ze hier in Europa doorverkocht. Dus ik denk dat ondernemerschap altijd in mijn systeem heeft gezeten.

Joey: We hadden het er eerder over dat we elkaar zeven jaar geleden hebben ontmoet en dat je toen een andere artiestennaam gebruikte. Weten andere mensen dat?

Sam: Nou, ik vertel het de mensen die het willen weten. Mijn oorspronkelijke naam was Dr. Papasov. De Facebook-pagina is er nog steeds als je nog steeds wilt zien hoe ik er acht jaar geleden uitzag als DJ. Ik bewaarde het altijd om te onthouden waar ik vandaan kwam. Soms zie je dat je een lange weg hebt afgelegd.

Joey: Hoe is het allemaal begonnen? Je begon toen je 11 jaar oud was, toch?

Sam: Ja, maar het was gewoon spelen op verjaardagsfeestjes met mijn vrienden en zo. Elk jaar voor mijn verjaardag vroeg ik om geld en met dat geld kocht ik rookmachines en stroboscooplichten – eigenlijk een drive-in show. Ik heb dat een paar jaar uitgebreid. Mijn vader reed me naar al die feestjes waar ik letterlijk de hele nacht speelde voor 50 euro. Maar als 11-jarige was 50 euro veel geld. Ik kon videospelletjes kopen en ik had er plezier in. Daarna ben ik een tijdje gestopt tot ik 17 was, toen ik voor de allereerste keer naar de club ging. Het was in Albufeira, Portugal en ik zag Billy the Kid daar optreden. Ik had zoiets van wow, dat is geweldig. Ik wil niet dansen, ik wil die man zijn die de club leidt en mensen laat dansen. Toen ging ik terug naar huis en investeerde in een DJ-controller. Ik begon weer te oefenen, te mixen en mijn mixtapes op SoundCloud te zetten. Toch duurde het vijf jaar voordat ik een contract kreeg. Het was zeker geen succes van de ene op de andere dag.

Joey: Was vijf jaar later je eerste ondertekening ooit, of de grootste die je hebt getekend?

Sam: Nou, dat was mijn handtekening onder Spinnin Records. Daarvoor had ik nog wat kleinere platen onder de naam Dr. Papasov.

De eerste plaat die ik maakte onder Sam Feldt zorgde ervoor dat ik getekend werd bij Spinnin. Het was een bootleg van de Kelly Family die nooit uitkwam. Maar het staat nog steeds op mijn SoundCloud onder de naam ‘Alien’. Ik stuurde het naar Spinnin en dat bewees voor hen dat ik iets nieuws en anders kon maken; het was een fris geluid. Voorheen, onder Dr. Papasov, stuurde ik ze de meest goedkope EDM-tracks. Ik imiteerde gewoon de hitlijsten en probeerde de volgende plaat voor Hardwell of het volgende beatportnummer te maken. Onder Sam Feldt zei ik: fuck dat allemaal, ik ga gewoon maken waar ik van hou. Op het moment dat ik van stijl veranderde, kwam het succes.

Joey: Wat was de reden om de naam te veranderen? Voelde je de drang om van stijl te veranderen?

Sam: Om eerlijk te zijn had ik nooit verwacht dat Sam Feldt groter zou worden dan Dr. Papasov. Ik dacht dat het erg goed ging met Dr. Papasov omdat ik 2-3 shows per week speelde op ijshockeyclubs en zo. Ik was toen 17. Ik dacht dat het goed ging, maar creatief voelde ik me niet voldaan. Ik draaide de meest goedkope sets – alles van hiphop tot hardstyle. Ik ben met Sam Feldt begonnen als een zijproject, zonder de verwachting platen of shows te kunnen tekenen. Ik begon mixtapes te maken in de melodieuze, deep house stijl voor mijzelf en mijn vrienden en familie. En toen maakte ik mijn eerste plaat en toen Spinnin antwoordde, was ik helemaal in de war omdat ze zulke platen niet uitbrachten. Ze brachten Animals van Martin Garrix uit. Dus ze moeten er iets anders in hebben gezien.

Joey: Terugkijkend, wat was volgens jou de reden dat het merk Sam Feldt groter was dan het merk Papasov?

Sam: Ik denk dat mensen het meteen doorhebben als je imiteert en niet je hart volgt; als je dingen uitbrengt of speelt die niet helemaal van jou zijn. Met Sam Feldt kon het me niet schelen wat andere mensen dachten. Ik deed gewoon waar ik van hield. Mensen zullen altijd zien wanneer iets uit hun hart komt. Daarom heet mijn overkoepelende merk Heartfeldt, want Sam Feldt was een project dat ik vanuit mijn hart ben begonnen.

Joey: Ja, ik denk dat dat een cruciaal onderdeel is dat veel artiesten onderschatten. Iedereen zegt dat het zo is. Maar toch kopieert 95% van de artiesten op de een of andere manier andere geluiden.

Sam: Ik denk dat dat het precies is. Soms vragen ze me in interviews: “Wat is je grootste tip voor aankomende producers? Ik zeg altijd dat het afgezaagd is om te zeggen, maar ik denk dat veel mensen dat niet doen. luister naar het antwoord. Ik zal het herhalen en ik hoop dat ze luisteren. Het antwoord is om je eigen geluid te vinden. Vind een geluid waar je van houdt en produceer dat in plaats van andere mensen te kopiëren. Ik denk dat als ik dat tegen Dr. Papasov had gezegd, hij ja ja ja zou hebben gezegd en er geen aandacht aan zou hebben besteed. Maar dat is echt wat je moet doen. Ik heb zo veel jaren geprobeerd om releases te krijgen, maar ik speelde lege balken en kreeg het nooit. Op het moment dat ik precies dat deed, op het moment dat ik echt naar mezelf luisterde, kreeg ik vrijwel van de ene op de andere dag succes met de eerste release die ik verstuurde. Terwijl ik vijf jaar lang berichten stuurde, kreeg ik nooit een antwoord. Dus dat is de sleutel.

Joey: Het is zo grappig omdat ik met veel artiesten praat en zelf artiest ben geweest. Als je naar een succesvolle artiestencarrière kijkt, lijkt het alsof er een sjabloon in al die verhalen zit – een sjabloon van succes. Je eigen geluid vinden en doen wat je het beste lijkt, lijkt een van de belangrijkste pijlers te zijn.

Je begon met je eerste release op Spinnin en had dit nieuwe merk genaamd Sam Feldt. Had je al een idee over hoe je het merk wilde gaan voeren?

Zoiets. Ik heb de naam Sam Feldt letterlijk in twee minuten bedacht. Mijn voornaam is Sammy, en de afkorting daarvan is Sam. Ik keek rond en luisterde naar de liedjes die ik aan het maken was. Ik had zoiets van, oké dit is een soort melodieuze en diepe house. Toen ik keek naar wie populair was, zoals Robin Schulz, realiseerde ik me dat ik een Duitse achternaam nodig had. Dus ik googelde twee Duitse achternamen en scrolde naar beneden in de lijst, en binnen een minuut vond ik Feldt. Ik was letterlijk op de registratiepagina van SoundCloud en moest een naam intypen; sindsdien is die naam blijven hangen. Toen moest ik mijn profielfoto uploaden, dus heb ik een logo gemaakt. Ik ging gewoon naar Photoshop, pakte een lettertype, sleepte het een beetje rond, zette er een lijn onder en het is nog steeds mijn logo. Dus die hele branding werd binnen vijf minuten gemaakt. Uiteraard heb ik het in de loop der jaren geperfectioneerd en heb ik nu een artistiek directeur die van alles doet. Ook heb ik vanaf het allereerste moment veel natuurlijke elementen in de branding verwerkt. Veel bladeren, palmbomen, dat soort dingen. Dat heb ik gedaan vanaf het allereerste nummer dat ik heb geüpload, en de rest is geëvolueerd.

Joey: Dat vind ik echt leuk, want ik ben een grote fan van niet te veel nadenken. Als ik naar je verhaal luister, hoefde je over alle beslissingen die je hebt genomen – en dat lijken nu behoorlijk grote beslissingen te zijn – niet lang na te denken.

Sam: Het is ook makkelijker als je niets hebt. Als je begint met nul volgers, is het veel gemakkelijker om je naam te kiezen dan wanneer je een miljoen volgers hebt. Ik verwachtte niets van het project en daarom werden die beslissingen zo lichtvaardig genomen.

Maar ook, als het gaat om de muzikale kant, hebben veel van mijn DJ en producer vrienden om me heen het probleem van perfectionisme. En ze brengen nooit iets uit omdat ze denken dat het perfect moet zijn. Omdat ik een andere achtergrond heb en al sinds mijn dertiende een bedrijf heb, weet ik dat dingen nooit perfect zijn. Ik kan tien jaar aan een plaat werken…

Joey: Wat zou het verschil zijn tussen jou en je vrienden? Is er sprake van een andere mentaliteit of een ander denkproces?

Sam: Ik denk dat je moet leren om op een bepaald moment tegen jezelf te kunnen zeggen: ‘dit is goed genoeg. Ik ben nu tevreden. Misschien ben ik niet tevreden als het over een maand uitkomt, maar ja, laten we die creativiteit in een nieuw project stoppen.’ Als ik samenwerk met mensen, ben ik meestal degene die het afmaakt. Sommige mensen blijven maandenlang in een proces hangen: ze perfectioneren de sub-bas en de eq; ze gaan echt tot in detail. Ik denk dat het beste wat je kunt doen is gewoon loslaten en doorgaan naar het volgende project.

Ik ben zo blij dat je dit zegt. Want dit is iets waar ik iedereen op wil wijzen.

Sam: Het probleem is dat je een project afmaakt en er twee dagen later weer naar luistert. Je hoort dingen en dan verander je weer dingen. Dan, twee jaar later, ga je er weer naar terug. De geest is erg subjectief. Het heeft ook te maken met hoeveel je hebt geslapen en andere muziek waar je naar hebt geluisterd in de clubs. Als je week na week hetzelfde nummer hoort, zul je dingen horen die je wilt veranderen en dat is niet erg bevorderlijk voor je productiviteit.

Joey: Het is alsof je naar een kunstwerk kijkt. Hoe vaker je ernaar blijft kijken, hoe meer details je ziet. Je blijft ernaar kijken omdat je steeds nieuwe dingen ontdekt in hetzelfde kunstwerk.

Sam: Het is misschien niet mooier, maar voor die tijd misschien wel anders.

Ik denk dat dat nog een tip is voor producenten. Je leert veel meer van het starten van een gloednieuw project en daar je creativiteit in stoppen, dan maandenlang werken aan het perfectioneren van een specifieke kickdrum of wat dan ook.

Joey: En met de releases, hoeveel platen wil je elk jaar uitbrengen? Is er een doel of komt het organisch op je af?

Sam: Het is heel organisch. Ik werk meestal veel met vocalisten, dus ik ben geen traditionele dance producer. Ik produceer niet veel clubrecords. Ik begin zelden voor een leeg scherm. Dat helpt me dus om veel nummers te produceren en altijd een selectie te hebben om uit te kiezen. Dat is ook de reden waarom ik twee jaar geleden een album met 24 nummers heb gemaakt; er lag zoveel muziek op de plank. Dus nee, ik heb geen doel. En ook als een plaat goed gaat, mijn laatste single doet het bijvoorbeeld erg goed op Spotify, dan stellen we de rest een beetje uit. Er stond een nieuwe release gepland voor begin augustus, maar die stellen we uit naar september om de vorige track wat meer ruimte te geven.

Joey: Dus je houdt de statistieken bij en kijkt hoe goed het gaat en zodra je ziet dat de statistieken dalen, begin je met het plannen van de volgende?

Sam: We werken ook samen met het label. In dit geval heeft Warner Music dus een heel radioplan en ze verwachten de track rond september. Zolang ik zie dat ze er veel moeite voor doen, dat ze nog steeds actief met de track bezig zijn, denk ik dat het altijd het beste is om één track als prioriteit te hebben – vooral voor radio en zo.

Joey: Op dit moment zit je op een hoger niveau waar je met partners werkt en te maken hebt met radiostations en langetermijnplanning. Ik kan me voorstellen dat het in het begin anders was voor jou als artiest.

Sam: Ja, ik denk dat dat een andere strategie was. Als je opkomt, hoef je nog niet op de radio te letten. Je kunt vrijwel elke maand een nummer uitbrengen als dat je creatieve proces is. Ik denk dat dat ook iets is wat veel opkomende producenten niet goed doen. Zorg ervoor dat je een buffer hebt. Als je een nummer uitbrengt en er vervolgens drie maanden over doet om met een nieuwe plaat te komen, zullen mensen de eerste al vergeten. Ik zou zeggen, maak zes nummers af en zorg ervoor dat je elke maand een nummer uitbrengt. Een half jaar later zullen mensen je kennen omdat je net zes nummers hebt uitgebracht.

Ik hoorde kort in je podcast met Steff Da Campo dat hij vroeger een strategie had waarbij hij meer dan twee tracks per jaar uitbracht. Daarna vond hij een manier om elke maand een plaat uit te brengen en nu begint hij wat erkenning te krijgen in de industrie. Je wilt relevant blijven door veel muziek uit te brengen. Ik denk dat dat de muziekindustrie op dit moment is.

Joey: Waar komt je grootste succes vandaan? Is dat voornamelijk streaming?

Sam: Dat zou ik wel zeggen. Ik ben momenteel de 140e meest gestreamde artiest op de planeet op Spotify. Ik denk dat ik het qua streaming relatief goed doe vergeleken met andere DJ’s. En ik denk dat dat komt omdat ik tracks maak om naar te luisteren. Ik maak geen tracks om mensen te laten rondspringen of om op te dansen. Wat ook lastig is, want als je je dj-set draait, ga je dan Spotify draaien… Dus dat is altijd een uitdaging geweest: de juiste balans vinden tussen energie en ervoor zorgen dat mensen je herkennen als je de dj-sets draait. Om dit op te lossen, maak ik meestal clubmixen voor mijn platen.

Joey: Ik keek naar je Instagram. Je hebt geweldige posts waarin je verschillende soorten video’s maakt waarin je de clubmix van je laatste single speelt.

Sam: Dat is één manier waarop ik erkenning krijg. Het is niet omdat mensen het nummer op Spotify kennen, dat ze ook naar mijn shows komen. Ze denken dat ik dat chill-out katernummer ga draaien waar ze op zondagochtend naar luisteren. Hoe gaat dat in een club? Maar door clubmixen te maken en die online te laten zien, denk ik dat mensen gaan zien dat mijn sets high energy zijn.

Maar dat is een uitdaging bij het hebben van succes met streamen. Mensen kennen je van de nummers waar ze thuis naar luisteren. Het beperkt ook de creativiteit in mijn DJ-sets. Als ik ‘Show me Love’ niet speel, zullen mensen teleurgesteld zijn. Ik heb het zo vaak gespeeld.

Joey: Dus je denkt erover na vanuit het perspectief van het publiek als je speelt?

Sam: Nou, ik denk dat het werk van een DJ daar juist om draait. Ik denk dat veel mensen in de industrie het heel serieus nemen. Maar uiteindelijk ben je gewoon een man die vermaakt. Vooral op Twitter zie ik zoveel mensen die het zo serieus nemen als kunstvorm en haten op andere mensen die te commercieel spelen of wat dan ook. Ik heb zoiets van, kom op, jongens! De enige reden dat je achter de decks staat, is om mensen een goede avond te bezorgen. Als je dat moet doen terwijl je 50 Cent speelt, dan speel je 50 Cent. Dat is wat je doet – volgens mij is dat waar een DJ voor is. Ja, ik bekijk het altijd vanuit het perspectief van een menigte. Ik kan niet gewoon spelen wat ik wil spelen, want misschien wil ik wel underground techno draaien omdat dat de feestjes zijn waar ik meestal naartoe ga als ik een avondje vrij ben. Maar als mensen een kaartje kopen om mijn show te zien en ik heb net een nieuwe track die heel goed wordt gestreamd, dan willen ze die track horen – daar kennen ze me van. Ik denk dat het belangrijk is dat mensen je herkennen als ze naar een club of festival gaan.

Joey: Ik heb gemerkt dat je veel tijd besteedt aan inhoud. Hoe relevant is inhoud op dit moment voor jou?

Sam: Het zit zo, als je shows speelt voor 1000 mensen, dan is dat je publiek die avond. Maar als je er foto’s/video’s van maakt, krijg je een miljoenenpubliek. Je speelt niet alleen een show voor de mensen die er zijn. Je speelt voor je fans. Je fans zijn er misschien niet omdat ze niet in de buurt wonen, of er zijn veel redenen waarom mensen een show niet zien.

In deze industrie is inhoud misschien nog wel belangrijker dan muziek. Ik weet dat mensen daar een hekel aan zullen hebben. Maar kijk naar jongens als Marshmello die opgeblazen worden vanwege de inhoud. Vanwege het hosten van evenementen over digitale games, het maken van een kookprogramma – koken met Marshmello – dat niets te maken heeft met de muziek, maar hem onderscheidt van de rest. Als je puur naar zijn muziek luistert, verschilt die niet veel van veel andere acts op Monstercat of andere labels. De reden waarom hij zo groot is, is vanwege de inhoud. Dus objectief gezien is het een groot deel van de industrie. Vind ik het leuk? Niet echt. Ik heb op een bepaalde manier een hekel aan sociale media. Maar het is het spel dat je speelt en je moet er deel van uitmaken.

Joey: Is dit iets wat je uitbesteedt? Plan je je berichten in?

Sam: Nee, misschien zou ik dat moeten doen omdat het me meer gemoedsrust zou geven. Maar ik denk dat als je het niet zelf doet, net als bij muziek, en het is niet authentiek, mensen er dwars doorheen kijken. Dat is een grote les die ik heb geleerd uit het tijdperk van Dr. Papasov. Als je mensen gaat uitbesteden om je berichten te schrijven of wat dan ook, zullen mensen dat zien en zal het niet zo goed gaan. Op dit moment doe ik alles zelf. Ik heb wel een soort social media manager, maar dat is meer operationeel, zoals het uploaden van een video of het opzetten van advertenties voor shows. De belangrijkste inhoud van de feed wordt meestal door mij gedaan.

Joey: En je kunt duidelijk meer doen onderweg. Omdat je fotograaf een foto maakt en je twee minuten later de meeste foto’s kunt posten. Anders zou je het naar je manager sturen en die zou kunnen slapen.

Sam: Ja, 100%. Ik heb ook wat bufferinhoud, die in een grote Dropbox-map staat. Vandaag of morgen ben ik thuis. Er is hier geen fotograaf, dus gebruik ik die inhoud. Maar ja, op tournee is dat meestal de beste manier.

Joey: Hoe ziet je team eruit? Uit hoeveel mensen bestaat je vaste team?

Sam: Dat hangt ervan af hoe je telt. Ik heb nul mensen in dienst; ik werk met iedereen freelance of via een bureau. Mijn boekingsteam is bijvoorbeeld ACE. Je zou kunnen zeggen dat ik één boeker heb voor de VS en één voor Europa. Maar hij wordt ondersteund door een junior agent – het team kan uit vijf mensen bestaan – dus tel je de één of de vijf? Als je die vijf meetelt, kunnen er wel 100 mensen werken voor Sam Feldt aan de labelkant, perskant, tourkant; het varieert afhankelijk van wie je meerekent.

Joey: Iets anders waar ik het over wilde hebben is hoe je soms acts implementeert in je liveshows. Waarom neem je die artiesten mee naar bepaalde shows?

Sam: Zoals ik al zei, is de muziek van Sam Feldt altijd heel organisch geweest. Vanaf het eerste nummer heb ik veel live-instrumenten gebruikt, vooral blazers, trompetten en saxofoons. Ze zitten in misschien wel 70% van mijn nummers, naast gitaren en piano’s. Ik denk ook dat dat me onderscheidt van veel dansmuziek en EDM-producers die erg op synths zijn gebaseerd. Ik ben erg gebaseerd op live instrumenten. Als fans naar mijn nummers luisteren op Spotify of op de radio, wil ik dat ze de beste ervaring hebben tijdens mijn shows; daarom betrek ik de liveband erbij. Veel mensen nemen een MC, Vjay of een heleboel effecten mee. Voor mij zijn live-instrumenten mijn ‘effecten’. Ik denk dat het nu belangrijker is om de tracks op de meest natuurlijke manier te presenteren – zoals ze live in de studio zijn opgenomen. De reden dat ik het niet in alle shows doe is het financiële aspect; je hebt ook een soort groot podium nodig.

Joey: Ik ben echt blij met wat je hebt gezegd en ik ben het eens met veel dingen die je hebt gezegd. Ik bewonder hoe je je carrière de laatste jaren hebt opgebouwd en ik weet dat je de dingen anders doet dan anderen.

Sam: Op dit moment sta ik op een kruispunt. Ik zit al vijf jaar bij hetzelfde label en heb mijn contract beëindigd. Het geeft me gewoon veel mogelijkheden. Hetzelfde geldt voor het management. Op dit moment heb ik geen contract met een management. Ik heb mijn eigen management en ik heb managers in dienst om specifieke dingen te doen. Daardoor kan ik de mensen met wie ik werk echt goed op elkaar afstemmen. Als iemand niet goed presteert, heb je ook de mogelijkheid om er iets aan te doen. Als je een contract hebt met een management, kun je gewoon klagen bij het management, maar je kunt ze niet ontslaan – dus je bent niet echt de baas.

Joey: Ik denk dat dat je veel goeds gaat brengen in de toekomst, vooral met je eigen label dat je veel nieuwe kansen gaat geven. Afgezien van nieuwe muziek zullen andere mensen daar ook wel muziek droppen, denk ik.

Sam: Ja, ik heb mijn eigen platform, Heartfeldt, dat ook een website Heartfeldt.me en een demodrop heeft. Vaak krijg ik goede demo’s maar kan ik ze niet uitbrengen. Ik denk dat dat de belangrijkste reden is dat ik een label wil beginnen – om nieuw talent te helpen hun muziek gehoord te krijgen!

Joey: Nogmaals bedankt dat je de tijd hebt genomen, Sam!

Gefeliciteerd, je bent klaar met je traject en je hebt nu een belangrijke beslissing genomen.

Wil je het uitbrengen op een label of ga je het zelf uitbrengen?

Het uitbrengen van je muziek bij een label is niet meer de standaardoptie.

De reden hiervoor is dat het makkelijker is geworden om het zelf uit te brengen via distributeurs online en aangezien labels niet altijd meer waarde toevoegen aan je uitgave, is dit misschien wel de betere keuze voor je uitgave.

Dat is iets wat de afgelopen jaren is veranderd.

Ik zal nu niet echt diep ingaan op dat specifieke onderwerp, maar als je meer wilt weten over de reden waarom het soms beter is om iets zelf uit te brengen, bekijk dan deze video.

Laten we zeggen dat je ervoor hebt gekozen om het uit te brengen via een label.

Wat is je volgende stap?

Hoe ga je ze bereiken?

Waarmee ga jij je onderscheiden?

In dit artikel wil ik dieper ingaan op de geest van het label.

Waar is een label precies naar op zoek en wat kun je doen om getekend te worden?

We hebben het punt bereikt waarop mailboxen worden genegeerd en de meeste muziek daadwerkelijk wordt getekend via een label dat eigenaar is van het netwerk.

Een van de redenen hiervoor is dat de kwaliteit van de muziek op dit moment helaas niet op het hoogste niveau staat.

Veel muziek klinkt hetzelfde en veel muzikanten kopiëren elkaar.

Je zou kunnen zeggen dat er een gebrek is aan uniekheid in de muziekindustrie.

Waarom denk je dat artiesten als Oliver Heldens, Don Diablo en Martin Garrix het zo goed doen?

Precies, ze hebben hun eigen geluid. Ze hebben iets gecreëerd wat niemand anders heeft gedaan.

Dat brengt ons bij het eerste waar labels altijd naar op zoek zijn: uniciteit.

Ze zijn niet op zoek naar een Hardwell of Martin Garrix look-a-like, ze zijn op zoek naar iets nieuws.

En om Barney Stinson te citeren: “Nieuw is altijd beter.”

Uniek zijn is niet makkelijk, daarom zijn er zo weinig artiesten die echt succesvol zijn in hun muzikale carrière.

Nu zeg ik niet dat het onmogelijk is om van muziek te leven als je niet uniek bent.

Ik zeg dat het creëren van iets unieks de dingen gemakkelijker voor je maakt.

Een van de dingen waar labels ook naar op zoek zijn, is een langdurige relatie.

Ze willen niet die one-night-stand zijn waarbij je net een single hebt uitgebracht en bent vertrokken zonder je telefoonnummer achter te laten.

Ze willen een echte relatie opbouwen waarin jullie elkaar kunnen vertrouwen en samen een toekomst kunnen opbouwen.

Er zijn een paar redenen waarom labels meer geïnteresseerd zijn in langetermijnrelaties dan in kortetermijnrelaties.

Eén daarvan is investeren.

De vraag: heb je ooit een armband van tweehonderd dollar gekocht voor je eerste afspraakje?

Waarschijnlijk niet… En waarom deed je dat niet?

Zo denken labels ook over investeren in je carrière.

Als je net een single hebt uitgebracht en ze niet zeker weten of je bij hen zult blijven na de release, zullen ze waarschijnlijk niet zoveel tijd of geld investeren in je release.

Als je hen een soort zekerheid kunt geven dat je voor een langere periode in de buurt zult blijven, staan ze misschien open om over mogelijke investeringen te praten.

Een langere periode aanblijven’ betekent dat je een aantal opties in je overeenkomst afspreekt of een overeenkomst tekent voor een bepaalde tijd.

Als een label in je carrière investeert, willen ze daar ook iets voor terugzien en dat ‘iets’ is waarschijnlijk een return of investment, oftewel winst.

Aangezien de meeste releases in de huidige muziekindustrie niet zo veel winst meer maken, wil het label een lager risico lopen door meer van jouw tracks te tekenen.

Waarom denken labels aan geld als het om de muziek gaat?

Omdat het ook een bedrijf is en bedrijven winst moeten maken.

Het creatieve gedeelte is echt belangrijk in deze industrie, maar het geldgedeelte zal nooit vergeten worden.

Onthoud: “Muziek is business en business betekent geld.”

Nu we het toch over geld hebben, laten we hier wat dieper op ingaan;

Labels zijn op zoek naar iets dat verkoopbaar is.

Ik weet dat veel mensen het hier niet mee eens zullen zijn, maar ik ben er vrij zeker van dat als je label niet zoveel mogelijk geld wil verdienen aan je uitgave, je misschien beter een ander label kunt zoeken.

Waarom? Want meer geld betekent een succesvollere release en is dat niet waar je naar streeft?

Laten we dit uit elkaar halen. Wat betekent ‘verkoopbaar’ eigenlijk?

Het betekent dat je product (a.k.a. je muziek) zo goed is dat mensen bereid zijn er geld aan uit te geven.

Dus, wanneer is je track goed genoeg voor mensen om er geld aan uit te geven?

Het antwoord is eenvoudig: Als ze de track op zichzelf goed vinden of als ze een grote fan zijn van het merk van de artiest.

Iets waar veel creatieven zich in vergissen is dat ze denken dat zij degenen zijn die beslissen of hun track goed genoeg is.

Fout. Het publiek zal dat voor je bepalen.

Het sterkste punt van een goed label is dat het zijn publiek kent.

Ze kiezen muziek waarvan ze denken dat hun publiek het leuk zal vinden.

Waarom is het zo belangrijk voor hen dat hun publiek het leuk vindt?

Omdat het publiek de mensen zijn die er hun geld aan uitgeven en verantwoordelijk zijn voor de winst van het label.

“Muziek is een business en business betekent geld” weet je nog?

Waar labels ook in geïnteresseerd zijn, is de fanbase die je met je meeneemt.

De reden hiervoor is dat hoe groter de fanbase, hoe makkelijker het wordt om de track te verkopen en meer bekendheid te creëren.

Je maakt hun werk makkelijker als je een grote menigte meebrengt.

Het is echt moeilijk (misschien zelfs onmogelijk) om iemand die niet geïnteresseerd is of je muziek niet eens kent over te halen om je muziek te kopen of te streamen.

Als je een fanbase meebrengt, breng je eigenlijk klanten mee die al 100% geïnteresseerd zijn in hun product (a.k.a. je release).

En klanten meenemen die al geïnteresseerd zijn in het kopen van je muziek betekent meer geld voor het label en een eenvoudigere taak om de track succesvol te maken.

Naast meer geld verdienen en een succesvollere release hebben, gaat het ook om de promotie van hun eigen merk.

Je zou kunnen overwegen om je muziek op een label uit te brengen als een soort samenwerking.

Jullie willen allebei een groter bereik krijgen door elkaars kanalen te gebruiken

Jullie zijn allebei geïnteresseerd om meer volgers te krijgen door elkaars kanalen te gebruiken

Jullie zijn allebei geïnteresseerd in het creëren van meer verkoop

Dit gebeurt eigenlijk allemaal wanneer je je muziek uitbrengt op een label.

Je zult elkaar promoten, je publiek laten groeien en meer verkopen als je je krachten bundelt.

Nu je weet waar labels naar op zoek zijn, wat kun je als artiest doen om de kans op een contract te vergroten?

Creëer je eigen geluid en wees uniek

Sta open voor een langdurige relatie met een label als zij waarde kunnen toevoegen aan je releases

Begrijp dat muziek een bedrijf is en dat je uitgave winst moet maken

Breng een fanbase

Vraag jij je ook af waarom zoveel nummers in de hitlijsten samenwerkingen zijn? Clean Bandit & Jess Glynne, Ariana Grande & Iggy Azalea, Robin Thicke, T.I. & Pharrell… en laat ik maar niet beginnen over David Guetta! De reden hiervoor is eenvoudig… Samenwerking = bekendheid!

Er zijn zoveel redenen waarom samenwerking waarde kan toevoegen aan je artiestencarrière.

Hier zijn er 7 om je te motiveren:

1. Ander perspectief

We kennen allemaal het gevoel dat je tegen een muur oploopt in de studio. Niet weten welke kant ze op moeten of wat ze moeten doen. Dat is het moment waarop je partner in de studio van pas komt! Als je met z’n tweeën in de studio zit, heb je vier oren om te luisteren en twee hersenen om creatief te zijn in plaats van één.

Als je met iemand anders in de studio zit, merk je meteen dat dit een heel andere manier van werken is dan in je eentje. Je zult moeten werken met de mening en smaak van de ander, wat heel verfrissend en vervelend tegelijk kan zijn. Je zult inzichten krijgen die je zelf nooit zou hebben gekregen en je zult niet zoveel wegversperringen ervaren als voorheen omdat de ander het overneemt zodra je tegen een muur oploopt.

2. Breid je netwerk uit

Als je een samenwerking aangaat, heb je duidelijk je netwerk al uitgebreid omdat je nu een extra persoon in de muziekindustrie kent. Naast het werken aan een nummer, begin je ook een band met elkaar te krijgen als je in de studio bent. Dit kan je in de toekomst helpen als je mensen nodig hebt om je naar de volgende stap te brengen. De persoon naast je kan een plaatselijke DJ zijn die een residentie heeft in een plaatselijke bar en die je daar maandelijks kan uitnodigen. Of misschien heeft hij wel goede connecties met veel labelmanagers, waardoor je ze in de toekomst makkelijker kunt benaderen.

Je hebt waarschijnlijk wel eens van de zin gehoord: “Je bent wie je kent”. Dat klopt, als het op de muziekindustrie aankomt.

3. Ervaring en kennis opdoen

Je kunt niet alles in je eentje doen in het leven. We leren van elkaar. We verspreiden kennis door met elkaar te praten. Dit gebeurt ook in de studio! Als je met iemand anders werkt, zul je merken dat iedereen zijn eigen gewoonten en routines heeft. Sommige dingen werken misschien beter en sneller dan vroeger, andere misschien niet.

Iedereen weet iets dat de ander waarschijnlijk niet weet, dus behalve dat je aan het eind van de dag een nieuw spoor hebt, heb je ook iets geleerd.

4. Elkaars navolging gebruiken

Als artiest heb je waarschijnlijk een volger, ook al zijn het maar 10 mensen, het is een volger. Nou, raad eens… De man die naast je zit in de studio heeft ook een volger. Misschien zelfs een grotere? Als je samen in de studio bent geweest, maak je een gastoptreden op zijn sociale media. Hij zal zijn volgelingen over jou informeren en zij zullen in jou geïnteresseerd zijn. (lees: meer volgers).

Dus door samen te werken, heb je niet alleen een nieuwe release (als de track goed genoeg is), je bouwt ook aan je volgers online door elkaar te promoten.

5. Nieuwe inkomstenstromen

Als je met iemand gaat samenwerken, hoeft dat niet te betekenen dat je ook op de titel komt te staan. Je kunt ook besluiten om een andere richting in te slaan. Misschien wil je wel co-produceren, ghost-produceren of de teksten voor iemand schrijven zonder zelf aan bod te komen. Door dit te doen kun je nog steeds samenwerken, je netwerk opbouwen, een grotere aanhang creëren en ervaring en kennis opdoen. Als je meeschrijft aan andere tracks, ghost-productions of andere tracks, creëer je een andere inkomstenstroom en dat is altijd geweldig.

6. Ervaar andere genres

De meeste artiesten besteden veel tijd aan het produceren van dezelfde soort muziek. Simpelweg omdat ze een fanbase hebben opgebouwd die verwachtingen heeft en om die verwachtingen te managen, durven ze niet echt nieuwe genres uit te proberen. De beste manier om nieuwe genres te ervaren is door samen te werken, omdat je dan eenvoudig kunt uitleggen waarom je nummer anders klinkt dan normaal. Het is de invloed van de andere partij.

Ik raad je niet aan om alleen muziek voor je publiek te produceren, maar het kan een slim idee zijn om af en toe eens buiten de gebaande paden te denken. Vooral om je eigen creatieve sappen te laten stromen.

Dit zijn slechts een paar tips. om je op weg te helpen. Samenwerken is de perfecte manier om je aanhang en bekendheid te vergroten.

Waar wacht je nog op? Ga op zoek naar een partner om mee samen te werken!

Een belangrijk ding dat je moet doen als artiest is jezelf branding geven.

Dit is iets waar veel artiesten mee worstelen…

Wat als ik je zou vertellen dat er maar één ding is dat je moet doen om een unieke branding te hebben?

Laten we beginnen met een paar minuten stil te staan bij wie je bent.

Maak twee kolommen.

In de linkerkolom schrijf je al je sterke punten op en in de rechterkolom je zwakke punten.

Je zult waarschijnlijk merken dat het vrij moeilijk is om je eigen zwakke punten op te schrijven.

De linkerkolom zal waarschijnlijk groter zijn dan de rechterkolom.

Dat is prima, maar neem een paar minuten extra de tijd om na te denken over je zwakke punten.

Dingen die je dagelijks doet en die je niet van nature hebt meegekregen.

Je moet jezelf elke keer dwingen om het te doen en om het op je best te doen.

Nu is het gemakkelijk…

Doe meer waar je goed in bent en minder waar je slecht in bent.

Zoek manieren om je zwakke punten uit te besteden.

Bijvoorbeeld, als je slecht bent in sociale media en het dagelijks veel van je energie opslokt. Het is misschien een goed idee om iemand te zoeken die hier echt goed in is en die je hierbij wil helpen.

Door dit te doen, kun je je meer richten op de dingen die je van nature doet, bijvoorbeeld produceren.

Dit is iets persoonlijks dat ik ontdekte toen ik stopte met DJ-en en dieper in mezelf dook als persoon.

Mijn carrière begon met DJ-en.

Ik begon muziek te maken bij mensen thuis, op bruiloften en afstudeerfeestjes, wat leidde tot mijn eerste optredens in lokale bars en clubs.

Na een paar jaar besloot ik ook muziek te gaan maken, omdat iets me aantrok en ik mijn eigen nummers kon gaan spelen tijdens mijn optredens.

Waar ik nooit aan gedacht had, maar waar ik later wel achter kwam toen ik stopte, was dat ik eigenlijk niet de beste producer was die er was.

Ik had altijd moeite om een nieuw origineel te maken omdat ik niet de meest muzikale man was.

Vanaf nul beginnen was het moeilijkste voor mij en daarom werkte het maken van bootlegs en remixen altijd beter voor mij.

Ik hoefde me geen zorgen te maken over het vanaf nul creëren van een melodie of het vanaf nul creëren van een breakdown.

Ik had al een uitgangspunt dat me beïnvloedde tot nieuwe ontdekkingen en nieuwe melodieën.

Ik kwam erachter dat ik niet de beste producent was. Ik was een DJ die muziek moest maken om mijn carrière op te bouwen.

Als ik toen wist wat ik nu weet, zou ik mijn aanpak radicaal hebben veranderd.

Ik zou hebben gezocht naar een co-producer of zelfs een partner om me te helpen met produceren, zodat ik me kon richten op de dingen waar ik beter in was en hij zich kon richten op datgene waar hij het beste in was.

Het is gewoon onmogelijk om alles zelf te doen op het hoogst mogelijke niveau.

Nu je weet wie je bent als persoon en wat je sterke punten zijn, kunnen we verder gaan met de rest.

Denk hier eens over na:

Wat voor soort muziek speel of produceer JIJ graag?

Wat voor soort inhoud zou JIJ kunnen maken die bij jou als persoon past?

Waar wil JIJ bekend om staan?

Waar je ‘bekend om staat’ is je reputatie en je reputatie is je merk.

Ben jij die leuke jongen die altijd antwoordt en zijn hele leven laat zien in een vlog?

Of ben jij de klootzak die zijn fans negeert en niets voor zijn fans doet?

Waar wil JIJ bekend om staan?

Neem een paar minuten de tijd om hierover na te denken.

Je begint je nu te richten op je persoonlijke merk.

Iets anders dat vaak voorkomt bij het creëren van je merk is dat je het niet iedereen naar de zin kunt maken.

Je moet een genre of geluid kiezen dat je leuk vindt en daar helemaal voor gaan.

Je doel als artiest is om iemands favoriete artiest te worden.

En de beste manier om iemands favoriet te worden is door jezelf te zijn.

Mensen zullen verliefd op je worden om wie je bent.

Mensen zullen verliefd op je worden vanwege de inhoud die je hebt gecreëerd.

Mensen zullen verliefd op je worden vanwege de muziek die je produceert.

Wees jezelf. Anders zijn is belangrijker dan beter zijn.

Als je nu niet weet waar je je carrière moet beginnen omdat er zoveel te doen is.

Houd altijd in je achterhoofd dat er niets gebeurt als je helemaal niet begint.

Er zijn duizend redenen om iets NIET te doen, maar je hebt er maar één nodig om het wel te doen.

Omdat JIJ het wilt. Dat is de enige reden die je nodig hebt.

En niemand zal je tegenhouden.

Ik hoor je al duizend redenen bedenken om het toch maar niet te doen, maar laat me je een kleine motivatieboost geven.

Artiesten als Hardwell, Martin Garrix en Tiesto zijn ook ergens begonnen.

Ze zijn ook op het punt geweest waar jij nu bent en geloof het of niet, ook al zijn ze op dit moment de toonaangevende DJ’s, de wereld is altijd klaar voor iets nieuws.

Zelfs met de miljoenen fans die ze de afgelopen jaren hebben verzameld, zijn er nog steeds miljoenen mensen die je met jouw muziek zou kunnen aantrekken, want jij bent jij en er is geen tweede versie van jou of je muziek.

Wees anders, val op en de juiste mensen zullen op je pad komen.